grenar av historia

konsthistoria

historier har skrivits om arkitektur, skulptur, måleri, musik, dans, teater, film, TV och litteratur. Trots väsentliga skillnader har dessa former av historiografi några gemensamma drag. En är att de nästan alltid produceras utanför historiska avdelningar och fakulteter. Av denna anledning har de tenderat att betraktas som något exotiska specialiteter. Eftersom konstnärernas verksamhet oundvikligen är det centrala ämnet för de flesta historier inom konsten, inkluderar sådana historier i allmänhet formalistiska analyser av konstnärliga verk. Skillnaden mellan historia och filosofi när det gäller konst är således mindre distinkt än inom andra ämnesområden. Till sist, performance traditioner framträdande plats i historier om musik, dans, och teater.historiker är sällan nöjda med rent formella analyser av konst och är sällan kompetenta att göra dem. Historiker har försökt integrera konsthistoria i sina studier på tre grundläggande sätt. Den första är att överväga de materiella produktionsvillkoren. Några av frågorna är tekniska: vilka pigment var tillgängliga för en konstnär? Vilka specialeffekter var möjliga i en Elisabetansk teater? Andra relaterar till beskydd, eftersom de flesta artister alltid har arbetat för provisioner eller pensioner som de rika gett dem (som i gengäld fick visas i målningar, nämnas i förord till böcker eller bifoga deras namn till musikstycken). Slutligen har konstnärernas arbetsförhållanden och sociala status undersökts. Konstnärer under de senaste århundradena hade liten social prestige; de betraktades som hantverkare och organiserades i guildverkstäder med lärlingar (eller söner—Bach i Tyskland var nästan ett generiskt namn för en musiker).

ett andra tillvägagångssätt, som blev populärt i slutet av 20-talet, är att flytta tonvikten från konstnären till publiken. Tyska litterära kritiker Bar denna uppfattning längst i vad de kallade Rezeptionsteorie. Tillämpas på ett litteraturverk, Rezeptionstheorie innebär att betydelsen av ett verk bestäms inte av författaren utan av läsaren, som är ”underförstådd” i texten. Ibland behandlar forskare sig helt enkelt som ”läsaren” och producerar därmed litteraturkritik snarare än historia. Ibland finns det dock bevis på hur vanliga läsare reagerade på romaner (t.ex. när läsare skrev till tidskrifter där romaner serierades). Scenkonstens ansikte mot ansikte gör det lättare att avgöra hur publiken svarade på sådana verk; det finns berömda berättelser om de katastrofala premiärerna av Georges Bizets opera Carmen eller Giuseppe Verdis La traviata och om upploppet som utbröt vid den första föreställningen av baletten Le Sacre du printemps (The Rite of Spring), av Igor Stravinsky och Serge Diaghilev. Mottagningsteorin har varit särskilt fruktbar inom området för den rörliga bildens historia, eftersom sofistikerade sätt att mäta och utvärdera publikens svar finns tillgängliga (och åtminstone i TV följde slaviskt).

det mest ambitiösa—och mest kontroversiella—sättet att integrera konsthistoria i historiografi bygger på sådana begrepp som en tidsand eller en tidsanda. Upphovsmannen till detta tillvägagångssätt var Jacob Burckhardt (1818-97), vars mästerverk, renässansens civilisation i Italien, börjar med ett kapitel som heter ”staten som ett konstverk” och hävdar att konstnärlig produktion i renässansen är av ett stycke med politik och statskonst. Giambattista Vicos uppfattning om de poetiska troperna av en ålder av hjältar, i motsats till prosa av en ålder av ironi, pekar i samma riktning, liksom G. W. F. Hegels uppfattning om Ande som kommer till full självmedvetenhet genom konst, religion och filosofi.

måleriets historia har fått mest uppmärksamhet från forskare delvis eftersom målningar handlas råvaror som ofta kräver autentisering av experter. Autentisering av moderna målningar kräver sällan tjänster av en professionell historiker, men verk från tidigare århundraden, särskilt de där kulten av det enskilda konstnärliga geniet inte hade utvecklats fullt ut och målningar inte alltid undertecknades, gör ofta. En av de stora konsthistorikerna i början av 20-talet, Bernard Berenson (1865-1959), lånade en teknik för attribut som berodde på sätt att måla öron och näsor, men han överskattade också sin förmåga att identifiera målningar av den italienska renässansmästaren Giorgione och andra, och gjorde ibland stora summor för sig själv. I slutet av 20-talet, konsthistoriker utvecklat mer rigorösa kriterier för tilldelning, med resultatet att fungerar en gång tillskrivs stora konstnärer som Giorgione degraderades till ”school of,” ”anhängare av,” och liknande. Konsthistoria är således ett fält där upptäckt av förfalskningar fortfarande är en levande fråga. En av de stora förfalskarna från 20-talet, Hans van Meegeren, lyckades överföra ett antal egna dukar som verk av den holländska målaren Johannes Vermeer.

konsthistoriker har tagit olika tillvägagångssätt. Sådana framstående figurer som Ernst Gombrich (1909-2001) försvarade stoutly inrättandet av en kanon av otvivelaktigt stora målningar, medan Heinrich W Utomblfflin (1864-1945) behandlade ”kategorier av skådande”, som avslöjar hur målningar skapar sina effekter. Målningar och skulpturverk kan också ha ett intellektuellt innehåll. En skola av konsthistoriker, mest framträdande identifierad med Erwin Panofsky (1892-1968), studerade ikonologi eller ikonografi, som består av formell analys av visuella motiv som används för att uttrycka tematiskt innehåll eller för att identifiera viktiga figurer (således indikerade en skalle eller timglas död, och en figur som bär hans hud över axeln hänvisade till St.Bartholomew, som enligt legenden flayed). För att förstå sådana målningar är kunskap om ikonologi nödvändig men inte tillräcklig. Ikonologer har försökt att gå utöver att ge enkla listor över motiv till att utveckla behandlingar av hur motiv förändras och vad dessa förändringar indikerar angående målningens kulturella och intellektuella sammanhang.

målning har inte undgått den konceptuella frågan om de flesta konsterna: hur man identifierar ett objekt som ett konstverk. Flera utvecklingar utmanar historiker av samtida konst: presentationen av vanliga föremål som ”konst” —till exempel urinalen som Marcel Duchamp överlämnade till ett galleri som fontänen; uppkomsten av abstrakt målning; och porträtt av soppburkar av Andy Warhol. I förvandling av det vanliga (1981), den amerikanska konstfilosofen Arthur Danto hävdade att konsten är slut, eftersom det nu inte finns något sätt att skilja mellan konstverk och urinaler och inget distinkt sätt där konstverk kan förmedla sitt intellektuella innehåll. Samtidigt med denna proklamation av konstens slut kom frågan om konsthistorien också har upphört. Detta är en typisk postmodern provokation, av ett stycke med påståendet att historien som helhet har avslutats.