Albums Motown des années 70 Que Vous Devez Savoir: Des Classiques Soul Négligés Redécouverts
Vous êtes-vous déjà interrogé sur les albums incroyables que vous n’avez jamais entendus, que les critiques rock ont à peine remarqués? Il y en a beaucoup – et certains ont été publiés par un label légendaire connu presque exclusivement pour sortir de superbes singles. Cependant, lorsque vous y entrerez vraiment, vous constaterez que les albums négligés de Motown sont des essentiels indispensables tout aussi forts que les classiques dont tout le monde parle.
Un changement profond
Alors que les années 60 se dirigeaient vers les années 70, il y a eu un changement profond dans la musique achetée par « the kids”. Poussé par le succès du Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band des Beatles, il s’est divisé en deux catégories amples. L’un était pop, acheté sur des singles de 7 pouces et conçu pour une consommation rapide. L’autre était du rock, destiné à être pris au sérieux sur des albums de plus en plus ambitieux et somptueux. Quand les années 70 sont arrivées, la différence était claire: un single a volé pendant quelques semaines mais s’est écrasé; un album classique pourrait se vendre pendant des années.
La musique soul était généralement classée dans l’ancienne catégorie, avec de superbes succès uniques vendus dans le format plus court, et des albums arrivant souvent après coup si le single se vendait suffisamment d’exemplaires. Il y avait des exceptions, mais, pour de nombreux fans, la musique soul signifiait simplement trois minutes de bonheur.
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Motown à l’époque de l’album
À la Motown, Berry Gordy, le porte-parole du label, était convaincu que tout ce que les groupes de rock pouvaient faire, les artistes de Motown pouvaient faire mieux. Ils l’avaient prouvé avec les productions de plus en plus lourdes de Norman Whitfield avec The Temptations, Gladys Knight, Marvin Gaye et les autres. Si les enfants voulaient des albums matures et adultes avec un message, il livrerait la marchandise, avec une âme supplémentaire que les rockeurs progressifs ne pourraient pas égaler.
Tout le monde n’était pas prêt pour la soul en tant que musique d’album sérieuse. Même aujourd’hui, de nombreux albums Motown des années 70 restent sous-appréciés par rapport à leurs équivalents rock. Il y a, cependant, une flopée de superbes albums Motown qui sont funky, réfléchis, profondément soul, lourds et adaptés aux dancefloors, qui n’attendent que d’être redécouverts.
Que voulez-vous dire que vous n’avez jamais entendu…
Avant d’entrer dans le vif du sujet, certaines hypothèses sont formulées ici: que vous savez déjà Ce qui se passe, qui a bénéficié d’une quantité extraordinaire d’éloges rétrospectifs, et donc vous avez probablement enquêté sur les albums avec lesquels Marvin Gaye l’a suivi, tels que Let’s Get It On, Here, My Dear et les autres. Vous connaissez également les albums uniques des années 70 de Stevie Wonder, qui sont des déclarations intemporelles d’un esprit original. Mais ils ne sont qu’une partie de la superbe histoire des albums des années 70 de Motown.
Les tentations: Psychedelic Shack, Sky’s The Limit, Solid Rock, All Directions, Masterpiece
Commençons par l’un des groupes les plus établis de Motown. Les Temptations étaient des stars depuis six ans lorsque les années 70 sont arrivées et marquaient des succès sous la supervision du producteur Norman Whitfield. Il était sujet à l’excès musical – mais, à l’époque, l’excès était le meilleur. Psychedelic Shack (1970) a présenté une chanson qui n’utilisait pas la merveilleuse voix de basse de Melvin Franklin pour autre chose que parler: « Hum Along And Dance » avait très peu de mots et a plutôt emprunté le chemin Sournois et Familial de l’harmonie vocale percussive. « Promenez-vous dans votre esprit » était une bizarrerie simulée de voyage de drogue. Cela semble encore incroyable – si naïf – aujourd’hui.
Leur prochain album proprement dit, Sky’s The Limit (1971), était plus mature, utilisant le magnifique ténor aigu d’Eddie Kendricks pour un effet puissant sur le chatoyant « Gonna Keep On Tryin ’ Till I Win Your Love » et l’élégant hit « Just My Imagination (Running Away With Me) », deux chansons dans une veine soul plus traditionnelle, si elles sont mises à jour. L’album est devenu complètement psychédélique pour les « Visages souriants Parfois » couvrants, symphoniques et paranoïaques. « Ungena Za Ulimwengu (Unissez le Monde) » était fermement dans le moule de leur précédente « Boule de Confusion », et « Jeter un Baiser d’adieu » n’était qu’une âme de Tentations immaculées. Si vous ne voulez qu’un album des Temptations des années 70, le voici.
Les Temptations se séparent, Eddie Kendricks et Paul Williams démissionnent, et un groupe reconstitué sort the transitional Solid Rock en 1972. Plus tard cette année-là, le plus satisfaisant All Directions est apparu, alimenté par la version de près de 12 minutes de leur single « Papa Was A Rolling Stone ». Le dernier album du groupe Motown avec Whitfield, Masterpiece, était plus le sien que le leur. (Whitfield a également produit The Undisputed Truth, dont le premier album éponyme très décent comprenait la version à succès de « Smiling Faces Sometimes » et une coupe coquelicot et percutante de « I Heard It Through The Grapevine ».)
Valérie Simpson: Exposé, Valerie Simpson
L’un des principaux développements du rock à la fin des années 60 et au début des années 70 a été l’ascension de l’auteur-compositeur-interprète. Les albums de Carole King, James Taylor et Don McLean sont vendus par camion. C’était clairement un territoire délicat pour Motown: le succès du label s’est construit sur un talent vocal chantant les chansons des autres. La Motown s’est donc tournée vers ses compositeurs en coulisses à la recherche d’un succès d’auteur-compositeur-interprète : pourraient-ils livrer leurs chansons aussi bien que les artistes pour lesquels ils ont écrit?
Valerie Simpson le pourrait certainement. Aux côtés de son mari, Nick Ashford, Simpson était un génie de la symphonie soul de trois minutes (« Ain’t No Mountain High Enough », « California Soul », etc.) et ils avaient commencé leur carrière en tant que duo de chanteurs. Simpson avait montré un certain intérêt à revenir à un rôle de chanteuse lorsqu’elle a chanté sur l’album Gula Matari de Quincy Jones en 1970, et, au printemps 1971, Motown a sorti son premier album solo, Exposed. Imaginez l’un des auteurs-compositeurs-interprètes les plus doués de la pop avec des influences gospel ajoutées, chantant d’une belle voix soul, et c’est l’os nu d’Exposed.
C’est un disque courageux. Tout album qui s’ouvre avec deux minutes de voix a cappella révèle une artiste désireuse de s’exprimer malgré les impératifs commerciaux. Le plus urgent « Ne peut-il pas attendre demain » et le soutien et l’édifiant « Je veux juste être Là » sont plus directs. L’Évangile se pose sur le percutant « Homme Pécheur (Ne le laissez pas Vous Attraper) » et le doux et réfléchi « Il Y A Un Dieu ». Le meilleur de tous, sans doute, est le lilting « Love Woke Me Up This Morning », où vous trouverez la voix de Simpson à son plus proche de Diana Ross (bien que son approche soit plus dynamique).
Quatorze mois plus tard, un deuxième album merveilleux arrive : Valerie Simpson. En tout cas, il était plus accessible que le premier, en notant les références religieuses. Le tendre « Idiot N’était pas moi », la promenade « Croyez que je vais faire le Tour » et la construction lente « Buvez le vin » étaient tous superbes. Malheureusement, le monde n’était pas prêt: aucun des deux albums n’a été un succès, et Simpson a dû construire une carrière de chanteuse avec son mari loin de la Motown. Aujourd’hui, ses disques solo des années 70 sonnent merveilleux.
Gloria Jones: Share My Love
Simpson n’était pas le seul tunesmith Motown à passer derrière le micro. Gloria Jones avait été une star mineure de la soul au milieu des années 60 avec les singles « Tainted Love » (oui, la chanson reprise à la fois par Soft Cell et Marilyn Manson) et « Heartbeat ». Les temps avaient changé, tout comme Gloria sur Share My Love, sorti par Motown en 1973. La chanson-titre offrait des cordes baroques et de la harpe avant de se briser dans un groove de clavinet funky d’un genre que vous aviez entendu de Stevie Wonder. « Tin Can People » combinait une touche de Labelle, une tranche de pierre sournoise et l’ambiance nastay de Betty Davis. « What Did I Do To Lose You » était une ballade fabuleuse qui pourrait être confondue avec Gladys Knight lors d’une écoute décontractée. Ce bel album a malheureusement fait un flop et Jones n’a plus enregistré pour Motown, passant une grande partie des années 70 en Angleterre en tant que partenaire de l’idole de la pop Marc Bolan.
Commodores: Machine Gun
Alors, vous connaissez Lionel Richie comme un balladeer des années 80 lisse et squillion? Ce n’est que la moitié de l’histoire. Motown le signe en 1974 en tant que chanteur (aux côtés du batteur Walter Orange) des Commodores, et le groupe est une sensation funky. Alors qu’ils sont devenus connus pour des engins jaillissants tels que « Three Times A Lady », leur premier album, Machine Gun, était plein sur phonk. La chanson-titre bourdonnante et bourdonnante était un succès instrumental chargé de synthé; ‘Rapid Fire’ suivait un modèle similaire; le retentissant ‘I Feel Sanctified’ offrait un groove de rue de style Fatback Band; « Gonna Blow Your Mind » a fusionné les deux styles. Mais nous pouvons à nouveau remercier Gloria Jones d’avoir écrit (aux côtés de Pam Sawyer) deux morceaux qui conduisent le disque dans une dimension différente, ‘The Zoo (The Human Zoo)’, une chanson un peu humaine qui ressemble à une rue animée de la ville en été, et ‘The Assembly Line’, l’un des meilleurs titres funky que Motown ait sortis pendant toute la décennie. Il réfléchit à la condition humaine moderne, et est tellement absorbant que, même s’il ne dure que cinq minutes, vous avez l’impression d’avoir passé une demi-heure dans son monde à plusieurs niveaux. Pure magie prog-funk.
Four Tops: La Nature l’avait prévu
Superstars de la soul dans les années 60, Motown semblait avoir perdu tout intérêt pour Four Tops en 1971, et il faudrait passer au label Dunhill en 1972 pour revitaliser le statut de ce merveilleux groupe vocal. Donc, il semblerait que leur dernier album Motown serait une zone sans amour terne, non? Non. Nature Planned It (1972) est un joyau d’un disque, plein d’airs qui méritent d’être réentendus.
La sensation est douce et chaleureuse. Levi Stubbs n’a jamais semblé aussi sincère et discret que sur la chanson-titre; ‘If You Let Me’ fait chanter Lawrence Payton et en fait un excellent travail; ‘Hey Man’ semble se transformer en ‘Papa Was A Rolling Stone’ mais passe au Latin-soul avant de se séparer dans une version de ‘We Got To Get You A Woman’ de Todd Rundgren, qui aurait sûrement dû être écrite pour les Tops (ce n’était pas le cas). Quelques mois plus tard, Keeper Of The Castle de Dunhill est sorti, restaurant la place de Four Tops dans les charts pop, et La Nature A prévu Qu’Il soit malheureusement négligé. Un album approprié plutôt qu’une pile de pistes aléatoires, Nature a prévu qu’Il mérite le statut de star.
The Miracles: Do It Baby, City Of Angels
Rester avec les icônes de la Motown face au changement, quelle chance les Miracles ont-ils eu lorsque leur chanteur et compositeur principal, Smokey Robinson, a quitté en 1972? Peu ou pas, vous pourriez penser, mais le remplaçant de Smokey, Billy Griffin, était un excellent chanteur avec une voix attrayante, et le groupe avait des écrivains décents dans ses rangs. Deux albums post-Smokey se démarquent: Do It Baby (1974) a frappé une niche urbaine et son titre a été un grand succès pop, beaucoup couvert au cours des deux années suivantes par tout le monde, de la star du reggae Horace Andy au guitariste de jazz Jimmy Ponder. ‘Give Me Just Another Day’ mélangeait du funk wah-wah et des cordes luxuriantes dans un style inhabituel, ‘Up Again’ était magique et ‘What Is A Heart For’ se vantait d’un groove soyeux glorieux. City Of Angels (1975) était un album concept auto-écrit qui a livré le hit « Love Machine », le thriller similaire « Night Life », et une chanson qui présentait le nom le plus original d’un être humain depuis « Agatha Von Thurgood » des Dells: « Waldo Roderick DeHammersmith ». (C’est, cependant, un top tune.)
Eddie Kendricks: Les gens Hold Tenez bon, Eddie Kendricks
Eddie Kendricks a fait face au problème inverse des Miracles: il avait été chanteur dans un numéro de star, The Temptations, essayant de lancer une carrière solo en 1971. Pendant quelques années, le changement de carrière a fonctionné. Ses deuxième et troisième albums ont le mieux vieilli. People Hold Hold On (1972) est une magnifique affaire: « My People Hold Hold On » a tenu des percussions africaines résonnantes, offrant une sensation de lourdeur enracinée; « If You Let Me » était une superbe confiture douce; « Girl You Need A Change Of Mind » n’est peut-être pas lyriquement PC, mais son approche dramatique et son rythme soutenu vous implore de bouger les pieds – les fans du fracas disco de Diana Ross, « Love Hangover », devraient l’entendre.
Son album suivant, Eddie Kendricks (1973), était porté par le single funky ’Keep On Truckin », un titre devenu une devise pour l’époque, mais les chansons allaient du rêveur flottant « Only Room For Two », avec de fabuleuses orchestrations de Jerry Long, au plaidoyer glissant de « Darling Come Back Home », qui est adulte sans être fatigant. De nos jours, seuls quelques fans sont au courant de l’éclat d’Eddie Kendricks en tant qu’artiste solo. Dites à vos amis: à son meilleur, ce gars était un grand.
Jackson 5: En regardant à travers les fenêtres, Skywriter, Get It Together
D’un autre côté, la renommée de Jackson 5 demeure, mais leur musique entre les premiers succès et leur départ de la Motown est sous-estimée. Michael et cie ont sorti des albums fascinants qui les ont trouvés à la recherche de leur son mature tout en conservant le charme indéniable de la jeunesse. Lookin’ Through The Windows (1972) n’était en aucun cas mature, mais la chanson-titre reste exaltante; leur version de « Doctor My Eyes » de Jackson Browne était exubérante; et leur reprise totale de « N’a rien à voir avec la vraie chose » est toujours efficace. Skywriter (1973) était plus concentré, bien que seul le tendre « Ooh, I’d Love To Be With You » était aussi classe que la chanson-titre entraînante et graveleuse, qui utilisait le phasage pour donner au mix un sentiment d’espace sans fin. Le meilleur de tous était Get It Together (1973). La chanson-titre a vraiment groové; « Don’t Say Goodbye Again » a répondu à un hit précédent, « Never Can Say Goodbye »; « Hum Along And Dance » est un funk psychédélique approprié et lèche la version des Temptations; et la grosse « Machine à danser » était assez forte pour devenir en quelque sorte la chanson-titre de leur prochain album. Il y avait la vie après la célébrité majeure – et avant elle.
Syreeta:Syreeta, Stevie Wonder Présente Syreeta
Lorsque Stevie Wonder n’était pas occupé à innover avec ses propres albums, il produisait ou jouait sur ceux d’autres, y compris ceux de son ex-femme, Syreeta, qui avait enregistré pour la première fois à la Motown en 1968 sous le nom de Rita Wright. Le premier album éponyme de Syreeta, sorti en 1972, était résolument destiné à un marché de l’AOR et comportait quelques reprises improbables. Sa deuxième offrande, Stevie Wonder Presents Syreeta (1974), a également été conçue pour un public mature, mais était plus ludique et pleinement réalisée, et remplie de morceaux qu’elle et Wonder avaient composés. Il a livré le reggae de cirque synthétisé de ‘Your Kiss Is Sweet’, qui a été un succès, mais il y avait aussi des choses plus profondes, telles que le craquant ‘I’m Goin ’ Left’, le soyeux ‘Heavy Day’, le temps de valse ‘Spinnin’ And Spinnin’ et ‘Universal Sound Of The World’, qui a bien fonctionné malgré son titre. L’avenir de Syreeta était en tant que spécialiste du duo, mais son matériel solo vaut la peine d’être vérifié si vous aimez un peu de sucre dans l’âme.
Willie Hutch: Entièrement exposé, le Mack
Willie Hutch était le grand espoir funk de Motown dans les années 70, bien que ses racines soient fermement ancrées dans la soul. Il s’est également fait connaître en tant qu’auteur-compositeur commercial, co-composant « I’ll Be There » de Jackson 5. Hutch ne s’est pas beaucoup croisé, conservant son cred pour un public afro-américain à travers une série de beaux albums dans les années 70. Son premier album pour le label, Fully Exposed (1973), a réussi à sonner à la fois authentiquement indépendant et « entreprise », avec des grooves audacieux comme « I Wanna Be Where You Are’; « I’ll Be There » a été repensé comme une confiture lente flottante wah-wah; et le groover bouillonnant en deux étapes « California My Way », qui pourrait presque être une production contemporaine de Marvin Gaye. La même année, il a livré Le Mack, un monstre hérissé et funké qui fait partie des meilleures bandes sonores de Blaxploitation de l’époque. Un chanteur sous-estimé, Hutch a vraiment mis une chanson à travers et avait les beats pour faire flotter les pieds.
Edwin Starr: Impliqué, Hell Up In Harlem
Hutch n’était pas le seul artiste Motown à enregistrer une bande originale de film de Blaxploitation. Edwin Starr, qui n’est pas le candidat le plus probable pour un tel travail, a créé Hell Up à Harlem en 1974. Produit par le producteur de Fonce Mizell et de Jackson 5, Freddie Perren, avec de grands talents tels que le guitariste Dennis Coffey et le pianiste Joe Sample des Crusaders à l’appui, ce disque passionné et funky n’était pas typique d’Edwin Starr. Son dernier album Motown, ça sonne encore frais aujourd’hui. Si vous préférez l’homme soul percutant de la renommée de « War », essayez Involved (1971), qui présente son interprétation de quelques succès de The Temptations, « Stop The War Now » de Starr et la musique Funky Sho Nuff M’excite « .
Mentions honorables
Riot: Bienvenue Dans Le Monde De
La production de Motown s’est diversifiée au fil des années 70. Welcome To The World Of (1974) de Riot était un disque de rock funky avec des rythmes lourds tels que « Put Your Gun Down Brother » et le proggy, spacey « Just Beyond ». Ça ne ressemble pas à Motown.
Yvonne Fair: La chienne est noire
La chienne est noire (1975) d’Yvonne Fair a apporté le succès à une chanteuse qui existait depuis le milieu des années 60 en tant que membre de la revue de James Brown. Fair a livré de l’âme avec l’attitude sournoise et impertinente de Millie Jackson et une voix graveleuse d’Etta James; il suffit de vérifier ce beat électronique antique ouvrant le hit « It Should Have Been Me ».
Libra:Balance
Un groupe italien, Libra a sorti deux albums sur Motown; leur premier, Libra (1975), était excellent, mais vous ne devineriez jamais que c’était Motown car c’est très Euro prog.
Major Lance: Arrive maintenant
La légende de la soul des années 60 de Chicago, Major Lance, n’a pas réussi à trouver un nouveau public avec the fine Now Arriving, qui manquait d’un single à succès pour attirer l’attention.
Rick James: Bustin’Out Of L7
La signature la plus significative de Motown à la fin des années 70 était le funkaire canadien Rick James, qui a livré une série d’albums punk-funk bruyants et badass, dont le superbe Bustin’ Out Of L7 (1979). Il a également dirigé le label en direction de Teena Marie, la supremo féminine du funk’n’soul qui a lancé sa carrière avec la déclaration d’intention Wild And Peaceful au printemps 1979.
Jr Walker And The All Stars: Moody Jr
Pour du matériel Motown plus traditionnel, essayez Moody Jr (1971) de Jr Walker And The All Stars, qui comprend son interprétation séduisante de « Way Back Home » des Crusaders et son charmant « Walk In The Night ». Étonnamment, la branche américaine de la Motown n’a même pas sorti son Jr Walker And The All Stars (1974), laissant le label BRITANNIQUE sortir cet album solide qui présentait Stevie Wonder en guest star sur deux titres.
The Supremes: Right On
Les Supremes se sont développés dans les années 70, et deux albums en particulier se distinguent : Right On (1970), leur premier sans Diana Ross, avec le fabuleux ‘Up The Ladder To The Roof’, et Floy Joy (1972), produit par Smokey Robinson, qui se vantait du délicieux ‘Automaticly Sunshine’ à la basse.
The Originals: Naturally Together
Un autre album « Motown traditionnel” à ne pas négliger est Naturally Together (1970) de The Originals. Une bénédiction mitigée en termes de matériel, le groupe vocal a néanmoins été brillant tout au long et, dans le morceau d’ouverture, « We Can Make It Baby », a fourni un prototype pour le son que son auteur et producteur, Marvin Gaye, allait triompher avec What’s Going On. Les fans de soul souhaitent toujours que Gaye et The Originals aient livré un album entier ensemble. Rêve sur…
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