L’Histoire du Ballet

Pensez au ballet, et les premières choses qui me viennent à l’esprit sont des danseurs élégants et délicats debout et grands dans des chaussures de ballet. Le style de danse qui est maintenant synonyme d’opulence et de grâce n’a pas toujours été comme ça. Au fil du temps, le ballet a évolué, mûri pour devenir le bel art qu’il est aujourd’hui.

Comment cela s’est-il produit? Qu’est-ce qui a moulé le ballet dans sa forme actuelle? Jetons un coup d’œil au parcours du ballet depuis sa naissance au 16ème siècle jusqu’à ses pas sur les plateformes mondiales. Un retour dans le temps, à travers l’histoire du ballet.

L’histoire complète du ballet: Chronologie

Les origines italiennes du ballet

L’histoire du ballet remonte au XVe siècle. Pendant ce temps, les tribunaux italiens étaient florissants. Ils connaissaient une période de grand essor scientifique et artistique, appelée Renaissance. Leurs nobles et leurs femmes profitaient d’événements et de célébrations somptueux, où la danse et la musique faisaient partie intégrante. Une célébration très typique était de tenir des bals avec des participants portant des masques.

Lors de ces célébrations, les participants ont souvent appris la danse par des maîtres de l’art, créant des performances spectaculaires. À ce stade, les danseurs de ballet portaient des vêtements longs et lourds qui étaient au sol.

Au cœur de cette croissance se trouvait la ville de Florence, qui abritait la riche famille de banquiers, les Médicis. De la famille, une noble nommée Catherine de Médicis s’est mariée dans une famille noble française et est devenue l’épouse du roi Henri II de France.

Et elle était responsable du transport des traditions et festivités italiennes en France. Elle a emporté avec elle la tradition de la danse, et le mot « ballet », du mot italien « ballare », qui signifie « danser ».

Le ballet révolutionnaire français

À sa cour de France, Catherine de Médicis devient mécène des arts et finance des spectacles de ballet en France. Grâce à ses efforts, le ballet gagne en popularité en France et un festival appelé ballet de cour devient monnaie courante. Ces festivals ont nourri le ballet et l’ont rendu plus commun.

Sous la tutelle de Catherine, le ballet s’est marié au style français, devenant plus axé sur la performance et intellectuel. Les danseurs ont commencé à porter des costumes plus légers, à utiliser des mouvements plus libres et des danses complexes.

Peu de temps après, il a gagné en popularité parmi les nobles. Un siècle plus tard, le roi Louis XIV prend goût à l’art. Il était lui-même un danseur passionné et a contribué à normaliser le ballet. Louis était assez enthousiaste pour codifier l’intégralité des costumes de ballet, des mouvements, des histoires et de la musique, et les soutenait officiellement sous la Couronne.

Il était assez passionné pour assumer lui-même de nombreux rôles. Louis XIV est surtout connu pour son rôle du Roi Soleil dans le Ballet de la nuit, ce qui a inspiré de nombreux amateurs à perfectionner leur art. Louis a en fait eu une telle influence qu’à ce jour, la plupart des mouvements et des techniques de ballet ont des termes français.

Le ballet monte sur scène

En 1661, les Français ouvrent une académie à Paris, qui contribue largement à l’histoire du ballet. Deux décennies plus tard, le ballet a quitté les tribunaux pour se produire sur scène. L’opéra Le Triomphe de l’Amour incorporait des éléments de ballet, lui donnant une ouverture sur scène.

Cependant, au milieu des années 1700, des partisans du ballet comme Jean Georges Noverre poussaient déjà pour que le ballet soit sa propre forme d’art. Ils croyaient fermement que le ballet avait des mouvements expressifs et dramatiques qui pouvaient aider à établir des rôles de personnage sur scène. C’est à ce moment que le ballet d’action a vu le jour, dramatique et narratif. C’est un développement important, en particulier au 19ème siècle.

Le ballet a rapidement décollé de France, s’étendant au Danemark et à la Russie. Il a également changé sa forme narrative. Il n’était plus limité à un genre et a commencé à raconter des histoires de roturiers et de héros. Pour compléter cela, les ballerines ont commencé à porter plus de robes grecques qui permettaient des mouvements plus libres.

ballet du 19e siècle

La première moitié du 19e siècle a vu l’essor du Mouvement romantique. Cela a influencé tout l’art et la culture, et le ballet n’a pas fait exception. Les thèmes du mouvement étaient surnaturels et magiques, les femmes étant dépeintes comme fragiles et passives. Les histoires sont devenues plus des contes de fées que des vies de roturiers.

Avec les débuts de La Sylphide, les ballets reflètent l’industrialisation de l’Europe. La Sylphide a connu un grand succès, suivie de Giselle. Ce sont des performances emblématiques où les ballerines ont été mises à l’honneur.

Cette période était également celle de la création du travail de pointe. Le travail de pointe est la technique dans laquelle les ballerines se tiennent sur le bout des orteils et dansent. C’est devenu l’image emblématique du ballet dans le monde. Le travail de pointe a été inventé par Marie Taglioni qui a dansé La Sylphide. Le père de Marie, Filipo, l’a écrite pour elle, et elle était si charismatique qu’après sa dernière représentation, ses fans ont cuisiné et mangé ses chaussons de ballet!

Après cela, les ballerines se sont efforcées d’apparaître plus sylphiques, minces et gracieuses, et cela s’est accompagné de l’avènement du tutu. Le tutu est une jupe pleine longueur mollet de style romantique en tulle. Ensemble, ils ont donné aux ballerines l’image à laquelle elles sont associées aujourd’hui.

Vers la seconde moitié du XIXe siècle, le ballet décline en popularité en France. Mais il est resté populaire en Russie, d’où viennent certaines des ballerines les plus appréciées du monde. Dans les années 1840, Marius Petipa, un Français, se rend en Russie pour produire des ballets. Les ballets les plus populaires de tous les temps sont également russes et de cette société de production, tels que Le lac des Cygnes de Tchaïkovski et Casse-Noisette.

Cela peut être surprenant, mais ces ballets désormais populaires ont été mal reçus lors de leur première ouverture à Moscou. Ils ont acquis une renommée au cours des dernières décennies, en particulier avec le Casse-noisette devenu une tradition de Noël.

L’influence russe sur le Ballet

Avant et pendant la Révolution russe, les expatriés russes établissaient leurs noms sur la scène du ballet. Serge Pavlovich Diaghilev possédait une compagnie de danse appelée Ballet Ruses, qui a commencé à charmer le public parisien en 1909. Par la suite, les Ruses du ballet ont été renforcées avec le brillant compositeur Igor Stravinsky et un éventail de chorégraphies innovantes, de costumes et de folklore russe.

Parce que ces compagnies ne pouvaient pas retourner en Russie, elles sont restées en Europe occidentale après la révolution et cela a aidé le ballet à retrouver sa popularité à travers le monde. La Russie a également accueilli Anna Pavlova, la célèbre ballerine qui a interprété le Cygne mourant, un solo créé spécialement pour elle.

À ce stade, le public américain n’avait toujours pas connu la ruée du ballet. Dans les années 1920 et 1930, ils étaient fascinés par l’idée de la danse des orteils, mais n’avaient pas de ballerines locales. Les danses sociales étaient très populaires aux États-Unis, mais les quelques troupes de ballet venaient d’Europe et de Russie.

Le public américain apprend à aimer le ballet

Quelques années plus tard, Serge Pavlovich Diaghilev est décédé et l’un de ses célèbres danseurs, George Balanchine est venu en Amérique pour former sa propre compagnie. Il a vu Fred Astaire et Ginger Rogers dans les films et a pensé qu’il y aurait beaucoup de gens avec un grand potentiel de ballet en Amérique. Il a fondé le New York City Ballet, a produit sa version de Casse-noisette et a établi un nom pour le ballet dans l’esprit du public américain.

Balanchine était également accompagné de nombreux autres danseurs de la compagnie Ballet Ruses. L’un d’eux était Adolph Bolm, qui a fondé l’école de ballet de San Francisco. Barbara Karinska est venue avec Balanchine. C’était une couturière habile qui a changé le costume de ballet en introduisant la coupe en biais. Cela a rendu le tutu plus simple et a permis la libre circulation. Elle a commencé à ajouter de la décoration aux tutus, comme du perlage, de la broderie, du crochet et des appliques.

L’une des nombreuses façons dont Balanchine a transformé le ballet était en introduisant le ballet néo-classique. C’est une forme de ballet sans intrigue qui s’efforce d’exprimer les émotions humaines à travers le mouvement et la musique.

Il y a des personnes plus importantes qui ont contribué de manière significative au développement et à l’histoire du ballet:

• Frederick Ashton était un chorégraphe anglais qui a créé le ballet Daphnis et Chloé. Ceci a été spécifiquement écrit pour Margot Fonteyn à un âge où la plupart des ballerines prennent leur retraite.
• Rudolph Noureev était un danseur russe qui s’est formé pendant plusieurs années puis a fait défection en France. Il a produit ses propres versions de Don Quijote et Roméo et Juliette.
• Mikhail Baryshnikov était un danseur letton qui était si bon qu’il a immédiatement obtenu des rôles en solo. Une fois, alors que sa compagnie était en tournée au Canada, il a fait défection et s’est joint à une compagnie canadienne. Il a été la première étoile de ballet en Amérique et a fait des pas de danse à couper le souffle. Mikhail est reconnaissable dans ses rôles dans The Turning Point et White Nights.

Le ballet tel que nous le connaissons

Le ballet a conquis le cœur des gens au 20e siècle, et les compagnies l’ont encaissé. Le ballet a gagné en popularité et a donné naissance à différents styles de danse, y compris la danse contemporaine. Son public est devenu plus accessible et les gens ont commencé à regarder le ballet plus souvent.

Ces styles de danse ont réinventé d’anciennes œuvres et en ont inspiré de nouvelles. Les décors sont devenus moins élaborés et plus traditionnels et théâtraux. L’accent a été mis sur la danse et la technique, et les styles de performance se sont développés.

Le ballet s’est répandu dans le monde entier et a conduit à la formation de nombreux théâtres. Il s’agit notamment du Royal Danish Ballet, du Sadler’s Royal Ballet de Londres, de l’American Ballet Theatre et de bien d’autres. Ceux-ci contribuent à populariser le ballet et à l’introduire dans de nouveaux lieux.

Particulièrement récemment, le ballet est devenu courant et est représenté dans les médias. Des films tels que Billy Elliot et Le Cygne noir font maintenant partie de la culture pop, et il y a tellement plus! Les ballets modernes ont un athlétisme et une virtuosité de renommée internationale. Ils ont remanié des ballets et de la danse moderne pour revitaliser l’art. Danseurs et chorégraphes repoussent les frontières et rendent le ballet plus attrayant.

Types de ballet

Au fil des ans, le ballet a changé de forme car il était influencé par les événements qui l’entouraient. Au 18ème siècle, il est devenu reconnu comme une forme d’art indépendante et ses actions se sont développées. Les mouvements des danseurs exprimaient le caractère et racontaient l’intrigue. Les femmes étaient encore des danseuses secondaires, enlisées par leurs costumes.

Bientôt, le ballet se divise en trois techniques formelles : Sérieux, demi-caractère et comique. Il a également commencé à figurer dans des opéras appelés divertissements, qui étaient des interludes.

Au 19ème siècle, alors que le changement social se produisait, le ballet passa de l’aristocratie à des intrigues qui touchaient la vie des gens ordinaires. Marie Taglioni et Fanny Elssler ont apporté de nouvelles techniques comme le travail de pointe. La pantoufle de ballet a été inventée pour aider ces danseurs à accomplir leurs sauts et leurs sauts habilement.

À mesure que le romantisme montait, les ballets devenaient légers et aérés. Les danseurs devaient être plus sylphes et porter des costumes amples et fluides. Les tutus étaient longs et aérés, et les histoires étaient fortement inspirées du folklore. À partir de La Sylphide, les danseurs dansaient de plus en plus en pointe, les faisant apparaître surnaturels et éthérés, légers et aérés.

Ballet néoclassique

Balanchine, le danseur russe de la compagnie de danse de Diaghilev a présenté son propre style de ballet. C’était plus expansif et flexible, et les danseurs dansaient à un tempo extrême, réalisant des prouesses techniques. Elle est dérivée de la danse impériale russe du 19ème siècle et est dépouillée de sa nature narrative et théâtrale.

Le ballet néoclassique est la danse sous sa forme la plus primitive. Il est sophistiqué mais moderne. Le travail de pointe en fait toujours partie, mais le drame et le mime n’y sont plus. L’Apollon de Balanchine est le premier ballet néoclassique. Après cela, Frederick Ashton et Kenneth MacMillan ont également commencé à chorégraphier le ballet néoclassique.

Ballet contemporain

Le ballet contemporain est une fusion du ballet classique et de la danse moderne. Il reprend la technique du ballet classique et a un mouvement plus libre du corps. Ses idées sont issues de la danse moderne du 20ème siècle avec plancher et retournement des jambes.

Balanchine est également en partie responsable des techniques du ballet contemporain. Il a éloigné son art des traditions du ballet classique et romantique et a introduit le moderne dans sa compagnie. Il a eu Mikhail Baryshnikov en sa compagnie et ils ont utilisé des mouvements modernes dans leurs ballets.

Aujourd’hui, il y a des danseurs qui dansent exclusivement du ballet contemporain. Il s’agit notamment d’Alonzo King, Nacho Duato, Compañia Nacional de Danza. Jiří Kilián dirige actuellement le théâtre Nederlands Dans et joue du ballet contemporain. Les compagnies classiques traditionnelles exécutent également des œuvres contemporaines.

En résumé

Comme la société, le ballet s’est transformé au fil des ans, reflétant les changements dans la structure du monde.

Aujourd’hui, il est bien connu dans le monde entier. Êtes-vous intéressé à apprendre ou à danser le ballet?

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