Rembrandt
| Rembrandt van Rijn | |
 Self portrait by Rembrandt, detail (1661). |
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| Nom de naissance | Rembrandt Harmenszoon van Rijn |
| Né | Le 15 juillet 1606 Leiden, Pays–Bas |
| Décédé | Le 4 octobre 1669 Amsterdam, Pays-Bas |
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| Nationalité | Néerlandais |
| Champ | Peinture, Gravure |
| Œuvres célèbres | Voir ci-dessous |
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (15 juillet 1606 – 4 octobre 1669) est généralement considéré comme l’un des plus grands peintres et graveurs dans l’histoire de l’art européen et les plus importants de l’histoire néerlandaise. Ses contributions à l’art sont intervenues à une période que les historiens appellent l’âge d’or néerlandais (coïncidant à peu près avec le XVIIe siècle), au cours de laquelle la puissance mondiale néerlandaise, l’influence politique, la science, le commerce et la culture — en particulier la peinture — ont atteint leur apogée.
» Aucun artiste n’a jamais combiné une habileté plus délicate avec plus d’énergie et de puissance « , déclare le Dictionnaire biographique de Chambers. « Son traitement de l’humanité est plein de sympathie humaine » (J.O. Thorne: 1962).
Vie
Rembrandt van Rijn est né le 15 juillet 1606 (traditionnellement) mais plus probablement en 1607 à Leyde, aux Pays-Bas. Des sources contradictoires affirment que sa famille avait 7, 9 ou 10 enfants. La famille était aisée. Son père était meunier et sa mère était la fille d’un boulanger. Enfant, il a fréquenté l’école latine et a été inscrit à l’Université de Leyde, bien qu’il ait eu une plus grande inclination pour la peinture. Il fut bientôt apprenti chez un peintre d’histoire de Leyde, Jacob van Swanenburgh. Après un apprentissage bref mais important auprès du célèbre peintre Pieter Lastman à Amsterdam, Rembrandt ouvre un atelier à Leyde, qu’il partage avec son ami et collègue Jan Lievens. En 1627, Rembrandt a commencé à accepter des étudiants, parmi lesquels Gerrit Dou.
En 1629, Rembrandt a été découvert par l’homme d’État et poète Constantijn Huygens, qui a obtenu pour Rembrandt d’importantes commandes de la cour de La Haye. À la suite de cette connexion, le prince Frederik Hendrik a continué à acheter des peintures de Rembrandt jusqu’en 1646.
En 1631, Rembrandt avait établi une si bonne réputation qu’il reçut plusieurs commandes de portraits d’Amsterdam. En conséquence, il a déménagé dans cette ville et dans la maison d’un marchand d’art, Hendrick van Uylenburgh. Ce déménagement a finalement conduit, en 1634, au mariage de Rembrandt et de la cousine de Hendrick, Saskia van Uylenburg. Saskia venait d’une bonne famille. Son père avait été avocat et bourgmestre de Leeuwarden. Ils se sont mariés dans l’église locale, mais sans la présence d’aucun de ses proches.
En 1639, Rembrandt et Saskia s’installent dans une maison importante du quartier juif, qui deviendra plus tard le Musée de la Maison Rembrandt. C’est là que Rembrandt a fréquemment cherché ses voisins juifs pour modéliser ses scènes de l’Ancien Testament. Bien qu’ils soient alors riches, le couple subit plusieurs revers personnels : leur fils Rumbartus meurt deux mois après sa naissance en 1635 et leur fille Cornelia meurt à seulement 3 semaines d’âge en 1638. Une autre fille, également nommée Cornelia, est également décédée en bas âge. Seul leur quatrième enfant, Titus, né en 1641, survécut à l’âge adulte. Saskia mourut en 1642 à l’âge de 30 ans, peu après la naissance de Titus, probablement de la tuberculose.
À la fin des années 1640, Rembrandt entame une union de fait avec sa femme de chambre, Hendrickje Stoffels, de 20 ans sa cadette. En 1654, ils ont eu une fille, qu’ils ont également nommée Cornelia, ce qui a valu à Hendrickje un reproche officiel de l’Église réformée de « vivre dans le péché. » Rembrandt n’a pas été convoqué au conseil de l’Église parce qu’il n’était pas membre de l’Église réformée.
Rembrandt a connu le succès financier en tant qu’artiste. Il a utilisé une bonne partie de sa fortune pour acheter de nombreux costumes et objets divers et extravagants qui l’ont inspiré et ont souvent été utilisés dans ses peintures. Il a également acheté des œuvres d’art, des estampes (souvent utilisées dans ses peintures) et des raretés. La mauvaise gestion de son argent, ainsi que ses habitudes de dépenses libérales, contribuèrent probablement à sa faillite éventuelle en 1656. À la suite du jugement de la cour, il a dû vendre la plupart de ses peintures, sa maison et son imprimerie, et déménager dans un logement plus modeste sur le Rozengracht. Ici, Hendrickje et Titus ont ouvert une boutique d’art pour joindre les deux bouts. En 1661, il a été engagé pour terminer une série de peintures majeures pour l’hôtel de ville nouvellement construit, mais seulement après que l’artiste qui avait été précédemment commandé soit décédé avant d’achever les travaux.
Rembrandt survécut à Hendrickje et à Titus. Rembrandt mourut peu après son fils, le 4 octobre 1669 à Amsterdam, et fut enterré dans une tombe non marquée à Westerkerk.
Travail
Dans une lettre à un mécène, Rembrandt a offert la seule explication survivante de ce qu’il cherchait à réaliser à travers son art: « le mouvement le plus grand et le plus naturel. »Que cela se réfère à des objectifs, matériels ou autres, est ouvert à l’interprétation; en tout cas, Rembrandt a mêlé harmonieusement le terrestre et le spirituel comme aucun autre peintre dans l’art occidental.
Rembrandt a produit plus de 600 peintures, près de 400 eaux-fortes et 2 000 dessins. Il a été un maître de l’autoportrait, produisant près d’une centaine d’entre eux tout au long de sa longue carrière, qui comprend plus de 60 peintures et plus de 30 eaux-fortes et dessins. Ensemble, ils nous donnent une image remarquablement claire de l’homme, de son apparence et, plus important encore, de son être profond, tel que révélé par son visage richement altéré. Bien qu’il existe très peu de documentation écrite sur lui, ses autoportraits expressifs nous en disent long sur l’homme et sa vie intérieure.
L’une des techniques les plus marquantes de Rembrandt est son utilisation du clair-obscur, l’emploi théâtral de la lumière et de l’ombre.
Il a été fortement influencé par Caravage mais a finalement maîtrisé sa propre approche, utilisant l’interaction entre la lumière et l’obscurité non seulement comme éléments de composition et d’espace, mais pour révéler les subtilités du caractère et la profondeur du sens.
La présentation très dramatique et vivante des sujets de Rembrandt, dépourvue de la formalité rigide que ses contemporains affichaient souvent, et sa compassion profondément ressentie pour l’humanité indépendamment de la richesse et de l’âge se sont avérées être une combinaison très chargée qui lui a valu notoriété et notoriété. Il a également fait preuve de beaucoup d’expérimentation et de variété de technique, ce qui a ajouté à sa mystique.
Sa famille immédiate — sa femme Saskia, son fils Titus et sa femme de fait Hendrickje – ont souvent été utilisées comme modèles pour ses peintures, dont beaucoup avaient des thèmes mythiques, bibliques ou historiques.
Périodes, thèmes et styles
C’est pendant la période de Leyde de Rembrandt (1625-1631) que l’influence de Pieter Lastman fut la plus importante. Les peintures étaient plutôt petites, mais riches en détails (par exemple, en costumes et en bijoux). Les thèmes étaient principalement religieux et allégoriques.
Au cours de ses premières années à Amsterdam (1632-1636), Rembrandt a commencé à peindre des scènes bibliques et mythologiques dramatiques en contraste élevé et en grand format. Il a également commencé à accepter des commandes de portraits.
À la fin des années 1630, Rembrandt produit de nombreuses peintures et gravures de paysages. Souvent, ceux-ci ont mis en évidence le drame naturel, avec des arbres déracinés et un ciel menaçant. Les paysages de Rembrandt étaient plus souvent gravés que peints. Les forces obscures de la nature ont fait place à des scènes rurales hollandaises calmes.
À partir de 1640, son œuvre devient moins exubérante et plus sobre, reflétant une tragédie personnelle. Les scènes bibliques étaient maintenant plus souvent dérivées du Nouveau Testament que de l’Ancien Testament, comme cela avait été le cas auparavant. Les peintures sont redevenues plus petites. Une exception est l’énorme Montre de nuit, sa plus grande œuvre, aussi mondaine et animée que n’importe quelle peinture précédente. Le tableau a été commandé pour la nouvelle salle des Kloveniersdoelen, la branche des mousquetaires de la milice civique. Rembrandt s’est écarté de la convention pour de telles commandes de groupe, qui dictaient l’alignement majestueux et formel des personnalités. Au lieu de cela, il a peint une scène d’action, montrant la milice se préparant à se lancer dans une mission. Sa nouvelle approche a suscité la controverse. La peinture a ensuite été réduite en taille et déplacée à l’hôtel de ville d’Amsterdam en 1715. Le tableau est maintenant accroché dans la plus grande salle du Rijksmuseum d’Amsterdam, où il occupe tout le mur arrière.
Dans les années 1650, le style de Rembrandt change à nouveau. Les peintures ont augmenté de taille. Les couleurs sont devenues plus riches, les coups de pinceau plus prononcés. Avec ces changements, Rembrandt a pris ses distances avec les œuvres antérieures et la mode actuelle, qui s’inclinait de plus en plus vers des œuvres fines et détaillées. Au fil des ans, les thèmes bibliques étaient encore souvent représentés, mais l’accent est passé de scènes de groupe dramatiques à des personnages intimes ressemblant à des portraits. Dans ses dernières années, Rembrandt a peint ses autoportraits les plus profondément réfléchis.
Les eaux-fortes de Rembrandt ont été extrêmement populaires de son vivant et il est aujourd’hui considéré comme l’un des meilleurs maîtres du médium. Il existe encore 79 de ses plaques de cuivre d’origine. Soixante-quinze d’entre eux ont été entreposés par un collectionneur privé pendant 18 ans jusqu’à ce qu’ils soient finalement révélés et exposés au public à Raleigh, en Caroline du Nord, en 1958. L’estampe de Rembrandt du « Christ guérissant les malades » a été appelée « Estampe de Cent Florins » en raison du beau prix qu’elle a obtenu par les premiers collectionneurs.
Rembrandt est réputé autant pour sa maîtrise du dessin que pour sa peinture. Il utilisait le dessin non pas tant comme des études pour des œuvres plus grandes, ni comme des présentations terminées, mais comme des notes, un moyen de saisir ses observations et réflexions de la vie quotidienne, et ses thèmes religieux. Environ 1400 dessins subsistent, la plupart non signés. Peut-être qu’un nombre égal a été perdu.
Autres considérations
Restauration
Au cours du siècle qui a suivi la mort de Rembrandt, nombre de ses peintures ont été recouvertes de couches de vernis aux tons sombres par des marchands et des collectionneurs. Cela a été fait pour plusieurs raisons. L’un était de préserver la surface de la peinture. Mais une autre raison, plus controversée, était de donner au style de peinture vif et quelque peu abrupt de Rembrandt un aspect plus unifié. Rembrandt utilisait des traits audacieux, des empâtements et des saletés, qui auraient pu sembler décousus de très près. Il avait prévu que l’image soit vue à une certaine distance, ce qui fournirait l’unification par le spectateur lui-même. En raison du vernis sombre du 18ème siècle, Rembrandt a acquis la réputation imméritée de peindre dans des tons sombres et sombres.
Par exemple, le titre original de la « Veille de nuit » était La Compagnie de Milice du capitaine Frans Banning Cocq. On lui a donné le nom de « Veille de nuit » parce qu’il était tellement obscurci et défiguré par la saleté et le vernis qu’il ressemblait à une scène de nuit. Après avoir été nettoyé, il a été découvert qu’il représentait broad day — un groupe de mousquetaires sortant d’une cour sombre dans la lumière du soleil aveuglante.
Un autre exemple de découverte a eu lieu lorsque le tableau Bellona a été restauré en 1947 par le Metropolitan Museum of Art de New York. Après que les nombreuses couches de vernis ont été soigneusement enlevées, les couleurs vibrantes ont été révélées, ainsi que la signature et la date de Rembrandt, 1633, assurant son authenticité.
Attributions
En 1968, le Projet de Recherche Rembrandt (PRR) a été lancé sous le parrainage de l’Organisation Néerlandaise pour l’Avancement de la Recherche Scientifique (NWO). Les historiens de l’art se sont associés à des experts d’autres domaines pour réévaluer l’authenticité des œuvres attribuées à Rembrandt, en utilisant toutes les méthodes disponibles, y compris les diagnostics techniques de pointe. Le projet a également compilé un catalogue critique complet de ses peintures. À la suite de leurs découvertes, de nombreuses peintures précédemment attribuées à Rembrandt ont été retirées de la liste. Beaucoup d’entre eux sont maintenant considérés comme l’œuvre de ses étudiants.
Un exemple d’activité est le Cavalier polonais, l’un des trésors de la collection Frick de New York. Son authenticité avait été remise en question des années auparavant par plusieurs chercheurs, dirigés par Julius Held. Beaucoup, y compris le Dr. Josua Bruyn, du Projet de recherche de la Fondation Rembrandt, a attribué le tableau à l’un des élèves les plus proches et les plus talentueux de Rembrandt, Willem Drost, dont on sait peu de choses. Le musée Frick lui-même n’a jamais changé sa propre attribution, l’étiquette portant toujours la mention « Rembrandt » et non « attribué à » ou « école de. »L’opinion plus récente a évolué en faveur du Frick, Simon Schama dans son livre Rembrandt’s Eyes de 1999, et un spécialiste du projet Rembrandt, Ernst van de Wetering (Symposium de Melbourne, 1997) plaidant tous deux pour une attribution au maître. De nombreux chercheurs estiment que l’exécution est inégale et privilégient des attributions différentes pour différentes parties du travail.
Une autre peinture, » Pilate se lavant les mains « , est également d’attribution douteuse. Les opinions critiques sur ce tableau ont considérablement varié depuis environ 1905, lorsque Wilhelm von Bode l’a décrit comme « une œuvre quelque peu anormale » de Rembrandt. Cependant, la plupart des chercheurs depuis les années 1940 ont daté le tableau des années 1660 et l’ont attribué à un élève anonyme.
Les travaux d’attribution et de réattribution sont en cours. En 2005, quatre peintures à l’huile précédemment attribuées aux étudiants de Rembrandt ont été reclassées comme étant l’œuvre de Rembrandt lui-même: Étude d’un Vieil Homme de Profil et Étude d’un Vieil Homme avec une Barbe provenant d’une collection privée américaine, Étude d’une Femme Pleureuse, appartenant au Detroit Institute of Arts, et Portrait d’une Femme Âgée coiffée d’un Bonnet Blanc, peint en 1640.
La pratique en atelier de Rembrandt est un facteur majeur de la difficulté d’attribution, car, comme beaucoup de maîtres avant lui, il encourageait ses élèves à copier ses peintures, parfois en les finissant ou en les retouchant pour les vendre comme des originaux, et parfois en les vendant comme des copies autorisées. De plus, son style s’est avéré assez facile à imiter pour ses étudiants les plus talentueux. La qualité inégale de certaines œuvres de Rembrandt et ses fréquentes évolutions et expérimentations stylistiques compliquent encore les choses. Il est fort probable qu’il n’y aura jamais d’accord universel sur ce qui constitue et ce qui ne constitue pas un véritable Rembrandt.
Signatures
« Rembrandt » est une modification de l’orthographe du prénom de l’artiste, qu’il a introduite en 1633. En gros, ses premières signatures (env. 1625) consistait en un « R » initial, ou le monogramme « RH » (pour Rembrandt Harmenszoon), et à partir de 1629, « RHL » (le « L » signifiait, vraisemblablement, Leyde). En 1632, il a ajouté son patronyme à ce monogramme, « RHL-van Rijn », puis a commencé à utiliser son seul prénom, « Rembrandt. » En 1633, il ajouta un » d » et conserva cette forme dès lors.
Collections du musée
- Aux Pays-Bas, la collection la plus remarquable d’œuvres de Rembrandt se trouve au Rijksmuseum d’Amsterdam, notamment De Nachtwacht (La Garde de nuit) et De Joodse bruid (La Mariée juive).
- Beaucoup de ses autoportraits sont conservés au Mauritshuis de La Haye.
- Sa maison, conservée comme Musée de la Maison Rembrandt à Amsterdam, abrite de nombreux exemples de ses gravures.
- Des collections importantes dans d’autres pays se trouvent à Berlin, Kassel, Saint-Pétersbourg, New York, Washington, DC, le Louvre et la National Gallery de Londres.
- 1629 Un Artiste dans Son Atelier (Le Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts)
- 1630 L’Élévation de Lazare (Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles)
- 1630-1635 Un Turc (La National Gallery of Art, Washington, D.C.)
- 1631 Portrait de Nicolaes Ornières (Collection Frick, New York)
- 1631 Philosophe en méditation (Louvre, Paris, France)
- 1632 Jacob de Gheyn III (le tableau le plus volé au monde) (Dulwich Picture Gallery, Londres, Angleterre)
- 1632 Leçon d’anatomie du Dr Nicolaes Tulip (Mauritshuis, La Haye)
- 1632 Portrait de un Homme Noble (Oriental) (Metropolitan Museum of Art, New York)
- 1632 L’enlèvement d’Europe (J. Musée Paul Getty, Los Angeles)
- 1633 Christ dans la Tempête sur le lac de Galilée (anciennement au musée Isabella Stewart Gardner, Boston; 1635 La Fête de Belshazzar (National Gallery, Londres)
- 1635 Le Sacrifice d’Isaac (Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg)
- 1636 L’Aveuglement de Samson (Städel, Francfort-sur-le-Main, Allemagne)
- 1636 Danaë (Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg)
- 1642 La Compagnie de Milice du Capitaine Frans Banning Cocq mieux connu sous le nom de La Montre de nuit (Rijksmuseum, Amsterdam)
- ±1643 Christ Guérissant les malades également connu sous le nom de Gravure aux Cent Florins (Victoria and Albert Museum, Londres), surnommé pour la somme énorme (à cette époque) payé pour cela
- 1647 Une Vieille Dame avec un Livre (La National Gallery of Art, Washington, D.C.)
- 1648 Mendiants Recevant l’Aumône à la Porte d’une Maison (National Gallery of Art, Pays-Bas)
- 1650 Le Philosophe (La National Gallery of Art, Washington, D.C.)
- 1650 Le Moulin (La National Gallery of Art, Washington, D.C.)
- 1650 Le Moulin (La National Gallery of Art, Washington, D.C.)
- 1653 Aristote avec un Buste d’Homère (Metropolitan Museum of Art, New York)
- 1654 Bathsheba dans son Bain (Louvre, Paris) (Hendrickje aurait modelé pour cette peinture)
- 1655 Joseph Accusé par la Femme de Potiphar (National Gallery of Art, Washington D.C.)
- 1655 Un Homme en armure (Kelvingrove Museum &Galerie d’Art, Glasgow, Écosse)
- 1656 Une Femme Tenant un Rose (La National Gallery of Art, Washington, D.C.)
- 1656 Jacob Bénissant les Fils de Joseph (Staatliche Kunstsammlungen Kassel, Galerie Alte Meister, GK 249)
- 1657 L’Apôtre Paul (La National Gallery of Art, Washington, D.C.)
- 1658 Autoportrait (Frick Collection, New York)
- 1658 Philémon et Baucis (La National Gallery of Art, Washington, D.C.)
- 1659 Jacob Luttant avec l’Ange
- 1659 Autoportrait (Metropolitan Museum of Art, New York)
- 1660 Autoportrait (Metropolitan Museum of Art, New York)
- 1660 Portrait d’un Gentleman avec un Grand Chapeau et des Gants (The National Gallery of Art, Washington, D.C.)
- 1660 Portrait d’une Dame avec un Éventail en plumes d’Autruche (The National Gallery of Art , Washington, D.C.)
- 1661 Conspiration de Julius Civilis (Nationalmuseum, Stockholm) (Julius Civilis a mené une révolte hollandaise contre les Romains) (la majeure partie de la peinture découpée est perdue, seule la partie centrale existe encore)
- 1662 Syndics de la Guilde des Drapiers (De Staalmeesters néerlandais) (Rijksmuseum, Amsterdam)
- 1662 Portrait d’un Homme au Grand Chapeau (La National Gallery of Art, Washington, D.C.)
- 1662-1663 Un Jeune Homme Assis à une Table (La National Gallery of Art, Washington, D.C.)
- 1664 Lucrèce (La National Gallery of Art, Washington, D.C.)
- 1664 The Jewish Bride (Rijksmuseum, Amsterdam)
- 1666 Lucretia (The Minneapolis Institute of Arts, Minneapolis)
- 1669 Return of the Prodigal Son (State Hermitage Museum, Saint Petersburg)
-
Rembrandt – Hendrickje at an Open Door
-
Rembrandt – The Syndecs of the Clothmakers’ Guild
-
Rembrandt, Portret van Haesje v.Cleyburg 1634
-
Rembrandt: The Bather
-
Rembrandt Afneming van het kruis. 1634
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Rembrandt Artemis, 1634
-
Rembrandt Artiest in zijn studio, 1629
-
Rembrandt Bathsheba in het bad, 1654
-
Rembrandt Buste van oude man met bontmuts. 1630
Rembrandt De aartsengel verlaat Tobias en zijn gezin. 1637
Notes
- Laurie Schneider Adams. L’Art à travers le Temps Vol. IL s’agit d’un autoportrait de type
, et d’un autoportrait de type
, 1658. Huile sur toile.
- Adams, Laurie Schneider. L’Art à travers le Temps Vol. II. New York : McGraw-Hill College, 1999.
- Clough, Shepard B. L’Histoire européenne dans une perspective mondiale. Lexington, MA : D.C. Heath et Compagnie, 1976. ISBN 0669855553
- Hughes, Robert (2006), » Le Dieu du réalisme « , The New York Review of Books (Rea S. Il s’agit de la première édition de la série. Les yeux de Rembrandt. 2001. Il n’y a pas de lien entre les deux., Les Eaux-Fortes complètes de Rembrandt: Reproduites en Taille Originale. Dover Publications, 1994. ISBN 978-0486281810
- Van de Wetering, Ernst, et al., Un Corpus de peintures de Rembrandt – Volume IV. La Haye: Martinus-Nijhoff Publ., 2005. ISBN 1402032803
- __________. Rembrandt : Le Peintre au Travail. Amsterdam University Press, 2002. ISBN 9789053562390
- Wallace, Robert, et. Al., Le monde de Rembrandt. Livres sur la vie dans le temps, 1968. ASIN B0007HCBB2
Tous les liens récupérés le 27 juillet 2019.
- La maison de Rembrandt à Amsterdam.
- Projet de recherche sur Rembrandt.
- Musée du Louvre Paris.
- Autoportraits.
- Article de l’Encyclopédie Britannica.
- Les Fichiers de Signature de Rembrandt.
Crédits
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- Histoire de Rembrandt
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- Histoire de « Rembrandt »
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==Une sélection d’œuvres ==250px|right/Leçon d’anatomie du Dr Nicolaes Tulip, 1632. Huile sur toile.]]
