A történelem ágai

A művészetek története

az építészet, a szobrászat, a festészet, a zene, a tánc, a színház, a mozgóképek, a televízió és az irodalom történeteit írták. Az alapvető különbségek ellenére a történetírás ezen formáinak vannak közös vonásai. Az egyik az, hogy szinte mindig a történelem tanszékein és karain kívül állítják elő őket. Emiatt hajlamosak voltak kissé egzotikus specialitásoknak tekinteni őket. Mivel a művészek tevékenysége elkerülhetetlenül a legtöbb művészeti történet központi témája, az ilyen történetek általában magukban foglalják a művészeti alkotások formalista elemzését. A történelem és a filozófia közötti különbség tehát a művészet esetében kevésbé különbözik egymástól, mint más tárgykörökben. Végül az előadás hagyományai kiemelkedően szerepelnek a zene, a tánc és a színház történetében.

a történészek ritkán elégedettek a művészet tisztán formális elemzéseivel, és ritkán képesek elkészíteni azokat. A történészek három alapvető módon próbálták integrálni a művészettörténetet tanulmányaikba. Az első a termelés anyagi feltételeinek figyelembevétele. Néhány kérdés technikai: milyen pigmentek álltak rendelkezésre egy művész számára? Milyen speciális effektusok voltak lehetségesek egy Erzsébet-színházban? Mások a mecenatúrához kapcsolódnak, mivel a legtöbb művész mindig a gazdagok által nekik adott jutalékokért vagy nyugdíjakért dolgozott (akik cserébe festményeken jelentek meg, a könyvek előszavában említették őket, vagy nevüket zenedarabokhoz csatolták). Végül megvizsgálták a művészek munkakörülményeit és társadalmi helyzetét. Az elmúlt évszázadok művészeinek kevés társadalmi presztízse volt; kézműveseknek tekintették őket, és céhes műhelyekben szervezték őket tanoncokkal (vagy a sons—Bach Németországban szinte általános név volt a zenész számára).

a második megközelítés, amely a 20.század végén vált népszerűvé, a hangsúly áthelyezése a művészről a közönségre. A német irodalomkritikusok ezt a felfogást vitték a legtávolabb az úgynevezett Rezeptionstheorie-ban. Alkalmazott irodalmi mű, Rezeptionstheorie azt jelenti, hogy a mű jelentését nem az író, hanem az olvasó határozza meg, aki a szövegben “implicit”. Néha a tudósok egyszerűen “olvasóként” kezelik magukat, így inkább irodalomkritikát produkálnak, mint történelmet. Időnként azonban bizonyíték van arra, hogy a hétköznapi olvasók hogyan reagáltak a regényekre (például amikor az olvasók olyan magazinoknak írtak, amelyekben regényeket sorosítottak). Az előadóművészet személyes jellege megkönnyíti annak meghatározását, hogy a közönség hogyan reagált az ilyen művekre; Híres történetek vannak Georges Bizet Carmen vagy Giuseppe Verdi La traviata című operájának katasztrofális premierjeiről, valamint a lázadásról, amely a Le Sacre du printemps (a tavasz szertartása) balett első előadásán tört ki Igor Stravinsky és Serge Diaghilev. A vételelmélet különösen gyümölcsöző volt a mozgókép történetének területén, mivel a közönség válaszainak mérésére és értékelésére kifinomult eszközök állnak rendelkezésre (és legalábbis a televízióban szolgai módon követik).

a művészettörténet történetírásba való integrálásának legambiciózusabb és legellentmondásosabb módja olyan fogalmakra támaszkodik, mint a korszellem vagy a korszellem. Ennek a megközelítésnek a kezdeményezője Jacob Burckhardt (1818-97) volt, akinek remekműve, a reneszánsz civilizációja Olaszországban egy “az állam mint műalkotás” című fejezettel kezdődik, és azzal érvel, hogy a reneszánsz művészi produkciója a politikával és az államalkotással foglalkozik. Giambattista Vico elképzelése a hősök korának költői trópusairól, ellentétben az irónia korának prózájával, ugyanabba az irányba mutat, mint G. W. F. Hegel elképzelése arról, hogy a szellem a művészet, a vallás és a filozófia révén teljes öntudatra ébred.

a festészet története részben azért kapta a legtöbb figyelmet a tudósok részéről, mert a festmények olyan árucikkekkel kereskednek, amelyek gyakran szakértők hitelesítését igénylik. A modern festmények hitelesítése ritkán igényel hivatásos történész szolgáltatásait, de a korábbi évszázadok munkái, különösen azok, amelyekben az egyéni művészi zseni kultusza nem alakult ki teljesen, és a festményeket nem mindig írták alá, gyakran megteszik. A 20.század elejének egyik nagy művészettörténésze, Bernard Berenson (1865-1959) kölcsönzött egy olyan technikát, amely a fülek és az orr festésének modorától függött, de túlbecsülte azt a képességét is, hogy azonosítsa Giorgione olasz reneszánsz mester és mások festményeit, mellékesen nagy összegeket keresve magának. A 20.század végén, a művészettörténészek szigorúbb kritériumokat dolgoztak ki a hozzárendelésre, azzal az eredménnyel, hogy az egykor olyan nagy művészeknek tulajdonított műveket, mint Giorgione, lefokozták “iskolájává,” “követője,” stb. A művészettörténet tehát olyan terület, ahol a hamisítványok felderítése továbbra is ÉLŐ kérdés. A 20.század egyik nagy hamisítójának, Hans van Meegerennek sikerült számos saját vásznat átadnia Johannes Vermeer holland festő műveként.

a művészettörténészek sokféle megközelítést alkalmaztak. Olyan kiemelkedő alakok, mint Ernst Gombrich (1909-2001) határozottan védte a kétségtelenül nagyszerű festmények kánonjának létrehozását, míg Heinrich W. C. (1864-1945) a “szemlélődés kategóriáit” kezelte, amelyek feltárják a festmények hatásaik megteremtésének módjait. A festményeknek és szobrászati alkotásoknak is lehet szellemi tartalma. A művészettörténészek egyik iskolája, amelyet leginkább Erwin Panofskyval (1892-1968) azonosítottak, ikonológiát vagy ikonográfiát tanulmányozott, amely a tematikus tartalom kifejezésére vagy a fontos figurák azonosítására használt vizuális motívumok formális elemzéséből áll (így egy koponya vagy homokóra jelezte a halált, a bőrét a vállán hordozó alak pedig Szent Bertalanra utalt, akit a legenda szerint megnyúztak). Az ilyen festmények megértéséhez az ikonológia ismerete szükséges, de nem elegendő. Az ikonológusok igyekeztek túllépni a motívumok egyszerű felsorolásán, hogy kidolgozzák a motívumok változásának kezelését, és azt, hogy ezek a változások mit jeleznek a festmény kulturális és szellemi kontextusában.

A festészet nem kerülte el a legtöbb művészet fogalmi kérdését: hogyan lehet egy tárgyat műalkotásként azonosítani. Számos fejlemény kihívást jelent a kortárs művészet történészeinek: a hétköznapi tárgyak “művészetként”történő bemutatása—például a piszoár, amelyet Marcel Duchamp szökőkútként nyújtott be egy galériába; az absztrakt festészet felemelkedése; és Andy Warhol leveskonzerveinek portréi. Ban ben a közhely átváltoztatása (1981), Arthur Danto Amerikai Művészeti filozófus azzal érvelt, hogy a művészet véget ért, mivel ma már nincs mód megkülönböztetni a műalkotásokat a piszoároktól, és nincs külön mód, amelyben a műalkotások átadhatják szellemi tartalmukat. A művészet végének kihirdetésével párhuzamosan felmerült a kérdés, hogy a művészettörténet is véget ért-e. Ez egy tipikus posztmodern provokáció, egy darab azzal az állítással, hogy a történelem egésze véget ért.