muzica la domiciliu: Seventies Soul protest Classics

pe acel album clasic, r& poetul torturat al lui B a abordat rasismul, ecologia, războiul și abuzul de droguri, printre alte subiecte. Gaye a fost cu greu un outlier în acest fel. Peste tot în jurul său, alți artiști soul și R&B au preluat bastonul cântecului de protest de la rock, abordând un set nou și chiar mai urgent de preocupări în muzica lor. (Inegalitatea economică a fost un subiect major: până la sfârșitul anilor șaizeci, patru din zece americani negri erau sub pragul sărăciei.) Iată un tur al modului în care black music a abordat carnagiul American foarte real și din ce în ce mai disperat al vremii.

găsiți această listă de redare pe Spotify aici.

Stevie Wonder, „Living for the City” (1973)
începând cu acele acorduri de pian electric moale, dar prevestitoare, piesa de poveste a lui Wonder este o chestie de muzică de protest de școală veche: un copil din Mississippi, parte a unei familii scufundate în greutăți, se aventurează în jungla urbană, doar pentru a ajunge în închisoare pentru o crimă pe care nu a comis-o. Setându-l pe funk curajos, urgent, completat cu dialog cinematografic și un strop de sintetizatoare jubilante, Wonder a refăcut genul actual din imaginea sa. Asigurați-vă că verificați versiunea originală, de șapte minute, pe Innervisions, care se încheie cu Wonder renunțând la narațiune și vorbind direct ascultătorului: „acest loc este crud, nicăieri nu ar putea fi mult mai rece/dacă nu ne schimbăm, lumea se va termina în curând.”

Curtis Mayfield,” Future Shock „(1973)
din momentul în care a lăsat impresiile și a pornit pe cont propriu, Mayfield s-a adresat atât coșmarurilor din interiorul orașului („Pusherman”), cât și aspirațiilor („Miss Black America”). Un producător de discuri ambițios, el a formulat adesea aceste sentimente într-un suflet orchestral somptuos aranjat. Dar pe această pistă de la Back to the World, nici o cantitate de corzi și coarne de sablare nu poate ascunde durerea dureroasă în vocea lui Mayfield, în timp ce ia notă de liniile de supă și „dope on the street.”Falsetul său dublu și chitara wah-wah sunt un strigăt dulce-amar de ajutor într-un peisaj din ce în ce mai tulburat. Unul dintre cupletele sale — „trebuie să — i oprim pe toți oamenii/să încurce pământul/când nu vom înțelege/aceasta este ultima și singura noastră șansă” – sugerează, de asemenea, cu precădere, distrugerea schimbărilor climatice.

Marvin Gaye, „Cloud Nine” (1969)
cu doi ani înainte de ceea ce se întâmplă, Gaye a testat apele conștiinței sociale cu această versiune a hit-ului psihedelic-suflet al ispitelor din anul precedent. Gaye nu a făcut complet piesa proprie, dar s-a conectat clar cu imaginile unei familii numeroase care crește într-o mahala, cu puțină mâncare și puțin în calea unui plan de evadare. Versiunea de copertă se simte acum ca un pas important pe calea exprimării propriilor sentimente cu privire la ceea ce se întâmplă.

The O ‘ Jays, „For the Love of Money” (1973)
linia de bas subacvatică a lui Anthony Jackson, una dintre cele mai recunoscute instantaneu cârlige din acea epocă, evocă discotecile de lux și stilul de viață cu bani asociat acestora. În următoarele șapte minute, O ‘ Jays își iau această dispoziție denunțând influența malefică a lăcomiei financiare („oamenii vor fura de la mama lor/oamenii își vor jefui propriul frate”). În timp ce trio — ul cântă — uneori sunând ca predicatori care riffează pe o temă-producătorii Kenny Gamble și Leon Huff nu lasă niciodată groove-ul să se ridice peste șapte minute mlăștinoase: poți dansa și condamna capitalismul în același timp.

Bill Withers, „Another Day to Run” (1972)
Mai înnodat și mai complex din punct de vedere muzical decât pietrele sale „Lean on Me” și „Ain’ t No Sunshine”, această piesă Withers profundă plasează oboseala în vocea sa într-un context complet nou, mai zguduit. În timp ce pictează un portret al unei societăți devastate („doamnele drăguțe stau la coadă așteptând inspecția/bătrânii zdrențuiți care beau vin încercând să înece respingerea”), Withers devine mai indignat și mai tensionat cu fiecare vers. Chiar și chitarele wah-wah (la fel de vitale pentru acest gen precum mandolina este pentru bluegrass) sună din ce în ce mai instabil pe măsură ce piesa continuă. „O altă zi de alergat” poate fi slinky, dar nu găsește nimic, nici măcar speranță, pe care să se sprijine.

Billy Paul, „sunt suficient de negru pentru tine” (1972)
hitul de referință al lui Paul a fost cântecul său înșelător „Me and Mrs.Jones”, o piesă elegantă din sufletul clubului de cină care era la fel de seducătoare ca naratorul său. Dar piesa nu a pregătit pe nimeni pentru urmărirea sa mai propulsivă și mai asertivă. „Sunt suficient de negru pentru tine” a fost tare și mândru, cu un mesaj pozitiv și proactiv la fel de inexorabil ca Gamble și Huff ‘ s storming-the-gates producție. Groove amintește „superstiția” lui Stevie Wonder — dar își rupe și propriul teren.

Gladys Knight and The Pips, „acest copil are nevoie de tatăl său” (1973)
Knight a făcut — o rep cu o serie de single — uri dureroase, adesea triste – „Midnight Train To Georgia”, „niciunul dintre noi (nu vrea să fie primul care să-și ia rămas bun)” – care a profitat la maximum de vocea ei călduroasă. Sunând mai rănită și mai angoasă decât ar fi în mod normal, Knight locuiește pe deplin rolul unei mame singure, implorându-și partenerul să se întoarcă: „încerc să fac tot ce pot/dar refuz să las acest copil să țină un alt bărbat”, se plânge ea. Cântecul a intrat în creșterea gospodăriilor monoparentale în anii șaptezeci, un număr care s-ar dubla până la începutul anilor optzeci.

Ohio Players, „What’ s Going On” (1974)
într — un semn al impactului profund al piesei lui Gaye asupra popului imediat după lansare, jucătorii din Ohio — în mod normal cedați unor hituri funk Lascive precum „Fire” și „Love Rollercoaster” – au lansat o copertă caldă și reverentă a melodiei la un an după cea a lui Gaye. Dacă versiunea lui Gaye s-a simțit personală și intimă, interpretarea jucătorilor din Ohio a transformat piesa într-o declarație multi-vocală a spiritului comunitar și mai grea și pe spate. „Ce se întâmplă” a fost un tribut adus atât lui Gaye, cât și puterii vindecătoare a muzicii, mai ales la acea vreme.

Nina Simone, „the Pusher” (1974)
Classic-Rock heads know this song, scris de compozitorul și actorul Hoyt Axton (Gremlins), din versiunea sa de Steppenwolf, care a jucat în timpul deschiderii, scena de droguri-afacere în Easy Rider. Simone a încetinit-o până la un foc furios și a scuipat cuvintele, făcând eliminarea unui furnizor de droguri dure și mai usturătoare. Simone a interpretat o serie de melodii pop și rock în acest timp, de la Beatles și Dylan la Bee Gees, dar puțini au fost la fel de drepți și indignați ca acesta, în special în momentul în care strigă: „împingătorul este un monsta!”

Diana Ross,” Strange Fruit ” (1972)
În primul ei rol principal, în timp ce Billie Holiday în Lady Sings the Blues, Ross s-a achitat bine ca actriță și interpretă a materialului centrat pe jazz al lui Holiday. Până la lansarea filmului, oamenii se uitau să uite de” Strange Fruit”, cântecul jignitor despre un linșaj sudic pe care Holiday îl transformase într-un nou clasic American la sfârșitul anilor treizeci. Coperta lui Ross recreează aranjamentul ciudat al înregistrării originale, iar Ross se împinge în afara zonei sale de confort, abordând frazarea lui Holiday.

Sly and the Family Stone, „Babies Makin’ Babies” (1973)
Mai mult un blocaj decât un tratat socioeconomic extins despre sarcini nedorite la adolescenți, această piesă din Fresh, ultimul mare album al lui Sly, îl găsește în cea mai mare parte riffing liric pe fraza din titlu. Dar este totuși un deliciu să — l auzi pe Sly și trupa sa — care încă îi includea pe fratele său Freddie la chitară, sora Rose la tastaturi și trompetistul Cynthia Robinson-vamping, iar senzația neplăcută a melodiei răsună starea de spirit a vremii.

The Spinners, „Ghetto Child” (1973)
acești maeștri Pop-soul din Michigan nu erau cunoscuți în general pentru cântece conștiente din punct de vedere social, dar au făcut o excepție cu această poveste despre un adolescent fugar care părăsește un oraș „plin de minți înguste și ură”, dar nu găsește niciodată o nouă casă. Producătorul Thom Bell, un pivot al Philly Soul sound, își lucrează săritura obișnuită suavă în spatele lor. Oricât de turbulentă ar fi povestea sa, cântecul — și co-cântăreții Philippine Wynne și Henry Fambrough — alunecă fără efort peste apele turbulente.