70s Motown Alben, die Sie wissen müssen: Overlooked Soul Classics Rediscovered
Haben Sie sich jemals über die erstaunlichen Alben gewundert, die Sie noch nie gehört haben, die die Rockkritiker kaum bemerkt haben? Es gibt viele – und einige wurden von einem legendären Label veröffentlicht, das fast ausschließlich für die Veröffentlichung hervorragender Singles bekannt ist. Wenn Sie sich jedoch wirklich darauf einlassen, werden Sie feststellen, dass die übersehenen Alben von Motown genauso wichtig sind wie die Klassiker, über die alle sprechen.
Eine tiefgreifende Veränderung
Als die 60er Jahre in Richtung der 70er Jahre gingen, gab es eine tiefgreifende Veränderung in der Musik, die von „the kids“ gekauft wurde. Angeregt durch den Erfolg der Beatles ‚Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, Es gliederte sich in zwei locker sitzende Kategorien. Einer war Pop, gekauft auf 7 „Singles und für den schnellen Verzehr konzipiert. Der andere war Rock, der auf immer ehrgeizigeren und aufwendigeren Alben ernst genommen werden sollte. Als die 70er Jahre kamen, war der Unterschied klar: Eine Single flog für ein paar Wochen, stürzte aber ab; Ein klassisches Album könnte sich jahrelang verkaufen.
Soul-Musik wurde im Allgemeinen in die erstere Kategorie eingeteilt, mit hervorragenden einmaligen Hits, die im kürzeren Format verkauft wurden, und Alben, die oft als nachträglicher Einfall ankamen, wenn die Single genügend Exemplare verkaufte. Es gab Ausnahmen, aber für viele Fans bedeutete Soulmusik einfach drei Minuten Glückseligkeit.
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Motown in der Album-Ära
Bei Motown war Berry Gordy, der Chef des Labels, davon überzeugt, dass alles, was die Rockbands tun konnten, Motowns Künstler besser machen konnten. Sie hatten so viel mit Norman Whitfields zunehmend schwergewichtigen Produktionen mit The Temptations, Gladys Knight, Marvin Gaye und dem Rest bewiesen. Wenn die Kinder reife, erwachsene Alben mit einer Botschaft wollten, würde er die Ware liefern, mit zusätzlicher Seele, die die progressiven Rocker nicht erreichen konnten.
Nicht jeder war bereit für Soul als ernsthafte Albummusik. Noch heute werden viele Motown-Alben der 70er Jahre im Vergleich zu ihren Rock-Äquivalenten unterschätzt. Es gibt jedoch eine Reihe großartiger Motown-Alben, die funky, nachdenklich, zutiefst gefühlvoll, heavy und Dancefloor-freundlich sind und nur darauf warten, wiederentdeckt zu werden.
Was meinst du, hast du noch nie gehört…
Bevor wir zum Kern der Sache kommen, werden hier bestimmte Annahmen getroffen: dass Sie bereits wissen, was los ist, was eine außergewöhnliche Menge an retrospektiver Anerkennung genossen hat, und deshalb werden Sie wahrscheinlich die Alben untersucht haben, mit denen Marvin Gaye gefolgt ist, wie Let’s Get It On, Here, My Dear und der Rest. Sie kennen auch Stevie Wonders einzigartige 70er-Jahre-Alben, die zeitlose Aussagen eines originellen Geistes sind. Aber sie sind nur ein Teil der großartigen 70er-Jahre-Album-Geschichte von Motown.
Die Versuchungen: Psychedelic Shack, Sky’s The Limit, Solid Rock, All Directions, Masterpiece
Beginnen wir mit einem der etabliertesten Acts von Motown. Die Temptations waren sechs Jahre lang Stars, als die 70er Jahre ankamen, und erzielten unter der Aufsicht des Produzenten Norman Whitfield Hits. Er war anfällig für musikalischen Exzess – aber, damals, Exzess war am besten. Psychedelic Shack (1970) zeigte einen Song, der Melvin Franklins wundervolle Bassstimme nicht für etwas anderes als Reden verwendete: ‚Hum Along And Dance‘ hatte nur sehr wenige Worte und nahm stattdessen den Weg von Sly And The Family Stone zur perkussiven Gesangsharmonie. ‚Take A Stroll Through Your Mind‘ war voll auf Mock-Drug-Trip Verrücktheit. Es klingt immer noch erstaunlich – wenn naïve – heute.Ihr nächstes Album, Sky’s The Limit (1971), war reifer und nutzte Eddie Kendricks’schönen hohen Tenor mit starker Wirkung auf das schimmernde ‚Gonna Keep On Tryin‘ Till I Win Your Love‘ und den eleganten Hit ‚Just My Imagination (Running Away With Me)‘, beide Songs in einer traditionelleren und gefühlvolleren Ader, wenn sie aktualisiert werden. Das Album ging voll auf Psych für die grüblerischen, symphonischen und paranoiden ‚Smiling Faces Sometimes‘. ‚Unga Za Ulimwengu (Unite The World)‘ war fest in der Form ihres vorherigen ‚Ball Of Confusion‘, und ‚Throw A Farewell Kiss‘ war einfach makellos verführt Seele. Wenn Sie nur ein 70s Temptations Album wollen, hier ist es.
Die Temptations trennten sich mit Eddie Kendricks und Paul Williams, und eine rekonstituierte Gruppe veröffentlichte 1972 den Übergangs-Solid Rock. Später in diesem Jahr erschien the more satisfying All Directions, angetrieben von der fast 12-minütigen Version ihrer Smash-Single ‚Papa Was A Rolling Stone‘. Das letzte Motown-Album der Gruppe mit Whitfield, Meisterwerk, war mehr sein als ihres. (Whitfield produzierte auch The Undisputed Truth, dessen sehr anständiges selbstbetiteltes Debütalbum die Hitversion von ‚Smiling Faces Sometimes‘ und einen poppigen, druckvollen Schnitt von ‚I Heard It Through The Grapevine‘ enthielt.)
Valerie Simpson: Exposed, Valerie Simpson
Eine der Hauptentwicklungen des Rock in den späten 60er und frühen 70er Jahren war der Aufstieg des Singer-Songwriters. Alben von Künstlern wie Carole King, James Taylor und Don McLean wurden von The Truckload verkauft. Dies war eindeutig ein schwieriges Gebiet für Motown: Der Erfolg des Labels beruhte auf Gesangstalenten, die die Lieder anderer Leute sangen. Also wandte sich Motown auf der Suche nach Singer-Songwriter-Erfolg an seine Hinterzimmerkomponisten: Könnten sie ihre Songs genauso gut liefern wie die Künstler, für die sie geschrieben haben?
Valerie Simpson könnte es auf jeden Fall. Neben ihrem Ehemann Nick Ashford war Simpson ein Genie der dreiminütigen Soul-Symphonie (‚Ain’t No Mountain High Enough‘, ‚California Soul‘ usw.) und sie hatten ihre Karriere als Gesangsduo begonnen. Simpson hatte ein gewisses Interesse an der Rückkehr zu einer Sängerrolle gezeigt, als sie 1970 auf Quincy Jones ‚Gula Matari-Album sang, und im Frühjahr 1971 veröffentlichte Motown ihr Debüt-Soloalbum Exposed. Stellen Sie sich einen der begabtesten Singer-Songwriter des Pop mit zusätzlichen Gospel-Einflüssen vor, der mit einer wunderschönen Soulstimme singt, und das sind die nackten Knochen von Exposed.
Es ist ein mutiger Rekord. Jedes Album, das mit zwei Minuten A-Cappella-Gesang beginnt, zeigt eine Künstlerin, die sich trotz kommerzieller Imperative ausdrücken möchte. Das dringendere ‚Can’t It Wait Until Tomorrow‘ und das unterstützende, erhebende ‚I Just Wanna Be There‘ sind direkter. Gospel entsteht auf dem druckvollen ‚Sinner Man (Don’t Let Him Catch You)‘ und dem sanften und reflektierenden ‚There Is A God‘. Das Beste von allem ist wohl das Lilting ‚Love Woke Me Up This Morning‘, wo Sie Simpsons Gesang am meisten Diana Ross-like finden (obwohl ihr Ansatz dynamischer ist).Vierzehn Monate später kam ein zweites wunderbares Album: Valerie Simpson. Wenn überhaupt, war es zugänglicher als die erste, die religiösen Referenzen wählend. Das zarte ‚Silly Wasn’t I‘, das schlendernde ‚Believe I’m Gonna Take The Ride‘ und das langsame ‚Drink The Wine‘ waren alle hervorragend. Leider war die Welt nicht bereit: keines der beiden Alben war ein Hit, und Simpson musste mit ihrem Ehemann eine Gesangskarriere abseits von Motown aufbauen. Heute klingen ihre 70er-Jahre-Solo-Platten wunderbar.
Gloria Jones: Share My Love
Simpson war nicht der einzige Motown-Tunesmith, der hinter das Mikrofon trat. Gloria Jones war Mitte der 60er Jahre mit den Singles ‚Tainted Love‘ (ja, das Lied, das sowohl Soft Cell als auch Marilyn Manson coverten) und ‚Heartbeat‘ ein kleiner Soulstar gewesen. Die Zeiten hatten sich geändert, ebenso wie Gloria auf Share My Love, das 1973 von Motown veröffentlicht wurde. Der Titeltrack bot barocke Streicher und Harfe, bevor er in einen funkigen Clavinet-Groove ausbrach, wie man ihn von Stevie Wonder gehört hatte. ‚Tin Can People‘ kombinierte einen Hauch von Labelle, ein Stück Sly Stone und die Nastay-Stimmung von Betty Davis. ‚What Did I Do To Lose You‘ war eine großartige Ballade, die bei einem ungezwungenen Zuhören mit Gladys Knight verwechselt werden konnte. Dieses schöne Album floppte leider, und Jones nahm nicht wieder für Motown auf und verbrachte einen Großteil der 70er Jahre in England als Partner des Pop-Idols Marc Bolan.
Commodores: Machine Gun
Sie kennen Lionel Richie also als geschmeidigen, millionenfach verkauften 80er-Jahre-Ballade? Das ist nur die halbe Wahrheit. Motown verpflichtete ihn 1974 als gemeinsamen Leadsänger (neben Schlagzeuger Walter Orange) von Commodores, und die Band war eine funky Sensation. Während sie für sprudelnde Ausrüstung wie ‚Three Times A Lady‘ bekannt wurden, Ihr Debütalbum, Maschinengewehr, war voll auf Phonk. Das Plätschern, Lebhafter Titeltrack war ein Synth-beladener Instrumental-Hit; ‚Rapid Fire‘ folgte einer ähnlichen Vorlage; Das pochende ‚I Feel Sanctified‘ bot einen Street-Groove im Fatback-Band-Stil; ‚Gonna Blow Your Mind‘ fusionierte beide Stile. Aber wir können Gloria Jones noch einmal dafür danken, dass sie (zusammen mit Pam Sawyer) zwei Songs geschrieben hat, die die Platte in eine andere Dimension treiben, ‚The Zoo (The Human Zoo)‘, ein All-Kinda-People-Song, der wie eine belebte Stadtstraße im Sommer ist, und ‚The Assembly Line‘, einer der besten funky Tracks, die Motown während des gesamten Jahrzehnts veröffentlicht hat. Es sinniert über den modernen menschlichen Zustand und ist so fesselnd, dass man, obwohl es nur fünf Minuten lang ist, das Gefühl hat, eine halbe Stunde in seiner mehrstufigen Welt verbracht zu haben. Purer Prog-Funk-Zauber.
Four Tops: Nature Planned It
Soul-Superstars In den 60er Jahren schien Motown 1971 das Interesse an Four Tops verloren zu haben, und es würde 1972 einen Wechsel zum Dunhill-Label erfordern, um den Chart-Status dieser wunderbaren Gesangsgruppe wiederzubeleben. Es würde also bedeuten, dass ihr letztes Motown-Album eine glanzlose liebesfreie Zone wäre, Recht? Nein. Nature Planned It (1972) ist ein Juwel einer Platte voller Melodien, die es verdienen, neu gehört zu werden.
Das Gefühl ist durchweg weich und warm. Levi Stubbs klang nie aufrichtiger und untertriebener als auf dem Titeltrack; ‚If You Let Me‘ hat Lawrence Payton als Lead-Sänger und macht einen tollen Job; ‚Hey Man‘ klingt, als würde es sich in ‚Papa Was A Rolling Stone‘ verwandeln, geht aber Latin-Soul, bevor es in eine Version von Todd Rundgrens ‚We Got To Get You A Woman‘ übergeht, die sicherlich für die Tops hätte geschrieben werden sollen (war es nicht). Ein paar Monate später kam Dunhill’s Keeper Of The Castle heraus und stellte den Platz von Four Tops in den Pop-Charts wieder her, und wie geplant wurde es leider übersehen. Ein richtiges Album statt eines Stapels zufälliger Tracks, Die Natur hat geplant, dass es den Starstatus verdient.
Die Wunder: Mach es Baby, Stadt der Engel
Welche Chance hatten die Miracles, als ihr Leadsänger und Songwriter Smokey Robinson 1972 aufhörte? Wenig oder gar keine, könnte man denken, aber Smokeys Ersatz, Billy Griffin, war ein großartiger Sänger mit einer ansprechenden Stimme, und die Gruppe hatte anständige Autoren in ihren Reihen. Zwei Post-Smokey-Alben stechen hervor: Do It Baby (1974) traf eine urbane Nische und seine Titelmelodie war ein großer Pop-Hit, der in den nächsten zwei Jahren von allen, vom Reggae-Star Horace Andy bis zum Jazzgitarristen Jimmy Ponder, abgedeckt wurde. ‚Give Me Just Another Day‘ mischte Wah-Wah Funk und üppige Streicher in einem ungewöhnlichen Stil, ‚Up Again‘ war Blue Magic-artig und ‚What Is A Heart For‘ rühmte sich eines herrlich seidigen Grooves. City Of Angels (1975) war ein selbstgeschriebenes Konzeptalbum, das den bodenfüllenden Hit ‚Love Machine‘, den ähnlichen Thriller ‚Night Life‘ und einen Song mit dem dümmsten Namen für einen Menschen seit den Dells ‚ ‚Agatha Von Thurgood‘ lieferte: ‚Waldo Roderick DeHammersmith‘. (Es ist jedoch eine Top-Melodie.)
Eddie Kendricks: Leute … Moment mal, Eddie Kendricks
Eddie Kendricks stand vor dem gegenteiligen Problem der Miracles: Er war Leadsänger in einem Star-Act, The Temptations, und versuchte 1971 eine Solokarriere zu starten. Für ein paar Jahre funktionierte die Karriereschicht. Sein zweites und drittes Album sind am besten gealtert. People … Hold On (1972) ist eine großartige Angelegenheit: ‚My People … Hold On‘ hielt resonantes afrikanisches Trommeln und lieferte ein schweres, verwurzeltes Gefühl; ‚If You Let Me‘ war ein hervorragender sanfter Jam; ‚Girl You Need A Change Of Mind‘ ist vielleicht nicht lyrisch korrekt, aber sein dramatischer Ansatz und sein stetig rollender Beat flehen Sie an, Ihre Füße zu bewegen – Fans von Diana Ross’Disco Smash ‚Love Hangover‘ sollten es hören.Sein nächstes Album, Eddie Kendricks (1973), wurde von der funky Single „Keep On Truckin“ angetrieben, ein Titel, der zum Motto der Ära wurde, aber die Songs reichten vom verträumten Floater „Only Room For Two“ mit fabelhaften Orchestrierungen von Jerry Long bis zum schlüpfrigen Plädoyer von „Darling Come Back Home“, das erwachsen ist, ohne ermüdend zu sein. Heutzutage sind sich nur wenige Fans der Brillanz von Eddie Kendricks als Solokünstler bewusst. Erzählen Sie Ihren Freunden: In seiner besten Zeit war dieser Typ großartig.
Jackson 5: Lookin‘ Through The Windows, Skywriter, Get It Together
Auf der anderen Seite bleibt der Ruhm von Jackson 5 bestehen, aber ihre Musik zwischen den frühen Hits und ihrem Abschied von Motown wird unterschätzt. Michael und Co veröffentlichten faszinierende Alben, auf denen sie ihren reifen Sound suchten und dabei den unbestreitbaren Charme der Jugend beibehielten. Lookin’Through The Windows (1972) war keineswegs ausgereift, aber der Titeltrack bleibt berauschend; Ihre Version von Jackson Brownes ‚Doctor My Eyes‘ war überschwänglich; und ihre totale Überarbeitung von ‚Ain’t Nothing Like The Real Thing‘ ist immer noch effektiv. Skywriter (1973) war fokussierter, obwohl nur das zarte ‚Ooh, I’d Love To Be With You‘ so edel war wie der treibende und düstere Titeltrack, der Phasing verwendete, um dem Mix ein Gefühl von endlosem Raum zu verleihen. Das Beste von allem war Get It Together (1973). Der Titeltrack groovte wirklich; ‚Don’t Say Goodbye Again‘ antwortete auf einen früheren Hit, ‚Never Can Say Goodbye‘; ‚Hum Along And Dance‘ ist richtiger psychedelischer Funk und ‚The Temptations‘ Version; und die klobige ‚Dancing Machine‘ war stark genug, um irgendwie der Titeltrack ihres nächsten Albums zu werden. Es gab ein Leben nach dem großen Ruhm – und davor.
Syreeta: Syreeta, Stevie Wonder präsentiert Syreeta
Wenn Stevie Wonder nicht gerade damit beschäftigt war, mit seinen eigenen Alben neue Wege zu beschreiten, produzierte oder spielte er auf anderen, darunter auch auf denen seiner Ex-Frau Syreeta, die 1968 als Rita Wright erstmals bei Motown aufgenommen hatte. Syreetas selbstbetiteltes Debütalbum, das 1972 veröffentlicht wurde, war fest auf einen AOR-Markt ausgerichtet und enthielt einige unwahrscheinliche Cover. Ihr zweites Angebot, Stevie Wonder Presents Syreeta (1974), war ebenfalls für ein reifes Publikum gedacht, aber spielerischer und voll verwirklicht und voller Melodien, die sie und Wonder komponiert hatten. Es lieferte den synthetisierten Zirkus-Reggae von „Your Kiss Is Sweet“, der ein Hit war, aber es gab auch tiefere Sachen, wie das knirschende „I’m Goin‘ Left“, das seidige „Heavy Day“, die Walzerzeit „Spinnin“ Und Spinnin“ und „Universal Sound Of The World“, das trotz seines Titels gut funktionierte. Syreetas Zukunft war als Duettspezialistin, Aber ihr Solomaterial ist einen Besuch wert, wenn Sie ein wenig Zucker in Ihrer Seele mögen.
Willie Hutch: The Mack
Willie Hutch war Motowns große Funkhoffnung in den 70er Jahren, obwohl seine Wurzeln fest im Soul verwurzelt waren. Er fungierte auch als kommerzieller Songwriter und komponierte Jackson 5s ‚I’ll Be There‘ mit. Hutch hat sich in den 70er Jahren durch eine Reihe feiner Alben seinen Ruf für ein afroamerikanisches Publikum bewahrt. Sein erstes Album für das Label, Fully Exposed (1973), schaffte es, gleichzeitig authentisch unabhängig und „company“ zu klingen, mit mutigen Grooves wie „I Wanna Be Where You Are“; ‚I’ll Be There‘ wurde als schwebender Wah-Wah-Slow-Jam umgestaltet; und der sprudelnde zweistufige Groover ‚California My Way‘, der fast eine zeitgenössische Marvin Gaye-Produktion sein könnte. Im selben Jahr lieferte er The Mack , ein borstiges, funkiges Monster, das zu den besten Blaxploitation-Soundtracks der Ära gehört. Ein unterschätzter Sänger, Hutch hat wirklich einen Song rübergebracht und hatte die Beats, um Füße flott zu machen.
Edwin Starr: Involved, Hell Up In Harlem
Hutch war nicht der einzige Motown-Künstler, der einen Blaxploitation-Film-Soundtrack aufnahm. Edwin Starr, nicht der wahrscheinlichste Kandidat für eine solche Arbeit, schuf 1974 Hell Up In Harlem. Produziert von dem schnell aufsteigenden Fonce Mizell und Jackson 5 Produzent Freddie Perren, mit Top-Talenten wie Gitarrist Dennis Coffey und Crusaders ‚Pianist Joe Sample zur Unterstützung, war diese spunkige, funky Platte keine typische Edwin Starr-Kost. Sein letztes Motown-Album, es klingt heute noch frisch. Wenn Sie den knallharten Seelenmann von ‚War‘ -Ruhm bevorzugen würden, versuchen Sie beteiligt (1971), der seine Einstellung zu ein paar Hits von The Temptations, Starrs eigenem ‚Stop The War Now‘ und dem mutigen ‚Funky Music Sho Nuff Turns Me On‘ enthält.
Honourable mentions
Riot: Willkommen in der Welt von
Motowns Produktion wurde im Laufe der 70er Jahre vielfältiger. Riots Welcome To The World Of (1974) war eine funky Rock-Platte mit schwergewichtigen Beats wie ‚Put Your Gun Down Brother‘ und dem proggy, spacigen ‚Just Beyond‘. Klingt nicht nach Motown.
Yvonne Fair: The Bitch Is Black
Yvonne Fairs The Bitch Is Black (1975) brachte einem Sänger, der seit Mitte der 60er Jahre Mitglied von James Browns Revue war, Erfolg. Fair gelieferte Seele mit der schlauen und frechen Haltung von Millie Jackson und einer Etta James-artigen kiesigen Stimme; Schauen Sie sich einfach diesen antiken elektronischen Beat an, der den Hit ‚It Should Have Been Me‘ eröffnet.
Waage: Waage
Eine italienische Band, Waage veröffentlichte zwei Alben auf Motown; ihr erstes, Libra (1975), war ausgezeichnet, aber man würde nie vermuten, dass dies Motown war, da es sehr viel Euro Prog ist.
Major Lance: Now Arriving
Die Chicagoer Soul-Legende der 60er Jahre Major Lance fand mit the fine Now Arriving kein neues Publikum, dem eine Killer-Hit-Single fehlte, um darauf aufmerksam zu machen.
Rick James: Bustin‘ Out Of L7
Motowns bedeutendstes Ende der 70er Jahre Unterzeichnung war der kanadische funkateer Rick James, der eine Reihe von lauten und badass Punk-Funk-Alben geliefert, darunter die hervorragende Bustin‘ Out Of L7 (1979). Er wies das Label auch in Richtung Teena Marie, der weiblichen Funk’n’Soul-Supremo, die ihre Karriere im Frühjahr 1979 mit der Absichtserklärung Wild And Peaceful startete.
Jr Walker And The All Stars: Moody Jr
Für traditionelleres Motown-Material probieren Sie Jr Walker And The All Stars‘ Moody Jr (1971), das seine verführerische Version von The Crusaders‘ „Way Back Home“ und seinen schönen „Walk In The Night“ enthält. Schockierend ist, dass die US-Niederlassung von Motown nicht einmal sein Jr Walker And The All Stars (1974) veröffentlichte und das britische Label dieses solide Album herausgab, auf dem Stevie Wonder als Gaststar auf zwei Tracks zu sehen war.
The Supremes: Right On
The Supremes entwickelten sich in den 70er Jahren, und zwei Alben stechen besonders hervor: Right On (1970), ihr erstes ohne Diana Ross, mit dem fabelhaften ‚Up The Ladder To The Roof‘ und dem von Smokey Robinson produzierten Floy Joy (1972), das mit dem köstlichen bassgeleiteten ‚Automatically Sunshine‘ aufwartete.
Die Originale: Natürlich zusammen
Ein weiteres „traditionelles Motown“ -Album, das nicht übersehen werden sollte, ist The Originals ‚ Natürlich zusammen (1970). Ein gemischter Segen in Bezug auf Material, Die Gesangsgruppe war dennoch durchweg brillant und, im Eröffnungsspur, ‚We Can Make It Baby‘, lieferte einen Prototyp für den Sound, mit dem sein Autor und Produzent triumphieren würde, Marvin Gaye, würde mit dem, was los ist, triumphieren. Soul-Fans wünschen sich immer noch, Gaye und The Originals hätten ein ganzes Album zusammen geliefert. Traum auf…
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