Musik zu Hause: Seventies Soul Protest Classics
Auf diesem klassischen Album befasste sich R&Bs gefolterter Dichter unter anderem mit Rassismus, Ökologie, Krieg und Drogenmissbrauch. Gaye war in dieser Hinsicht kaum ein Ausreißer. Um ihn herum griffen andere Soul- und R&B-Künstler den Protest-Song-Taktstock aus dem Rock auf und sprachen ein neues und noch dringenderes Anliegen in ihrer Musik an. (Wirtschaftliche Ungleichheit war ein großes Thema: Ende der sechziger Jahre befanden sich vier von zehn schwarzen Amerikanern unter der Armutsgrenze.) Hier ist eine Tour, wie schwarze Musik das sehr reale und zunehmend verzweifelte amerikanische Gemetzel der Zeit ansprach.
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Stevie Wonder, „Living for the City“ (1973)
Beginnend mit diesen sanften, aber ahnungslosen E-Piano-Akkorden ist Wonders Story-Song der Stoff der Protestmusik der alten Schule: Ein Kind aus Mississippi, Teil einer Familie, die in Not gerät, wagt sich in den Großstadtdschungel, nur um wegen eines Verbrechens, das er nicht begangen hat, im Gefängnis zu landen. Indem er es auf düsteren, dringenden Funk setzt, komplett mit filmischem Dialog und einem Spritzer jubelnder Synths, hat Wonder das aktuelle Genre nach seinem Bild neu gestaltet. Schauen Sie sich unbedingt die siebenminütige Originalversion auf Innervisions an, die damit endet, dass Wonder die Erzählung fallen lässt und direkt mit dem Hörer spricht: „Dieser Ort ist grausam, nirgendwo könnte es viel kälter sein / Wenn wir uns nicht ändern, wird die Welt bald vorbei sein.“
Curtis Mayfield, „Future Shock“ (1973)
Von dem Moment an, als er die Eindrücke verließ und sich auf den Weg machte, sprach Mayfield sowohl innerstädtische Albträume („Pusherman“) als auch Bestrebungen („Miss Black America“) an. Als ehrgeiziger Plattenmacher hat er diese Gefühle oft in üppig arrangierter Orchesterseele zusammengefasst. Aber auf diesem Track von Back to the World, Keine Menge Saiten und blasende Hörner können den schmerzlichen Schmerz in Mayfields Stimme verbergen, als er Suppenzeilen und „Dope on the street“ zur Kenntnis nimmt.“ Sein zweispuriges Falsett und seine Wah-Wah-Gitarre sind ein bittersüßer Hilferuf in einer zunehmend verstörten Landschaft. Eines seiner Couplets — „We got to stop all men/ From messing up the land / When won’t we understand/This is our last and only chance“ – deutet auch vorausschauend auf die Zerstörung durch den Klimawandel hin.
Marvin Gaye, „Cloud Nine“ (1969)
Zwei Jahre vor What’s Going On testete Gaye mit dieser Version des Psychedelic-Soul-Hits der Temptations aus dem Vorjahr das Wasser des sozialen Bewusstseins. Gaye machte sich das Lied nicht ganz zu eigen, aber er verband es eindeutig mit den Bildern einer großen Familie, die in einem Slum aufwuchs, mit wenig Essen und wenig Fluchtplan. Die Coverversion fühlt sich jetzt wie ein wichtiger Schritt auf dem Weg an, seine eigenen Gefühle darüber auszudrücken, was los ist.
The O’Jays, „For the Love of Money“ (1973)
Anthony Jacksons sprudelnde Unterwasser-Basslinie, einer der am besten erkennbaren Hooks dieser Ära, zaubert gehobene Discos und den damit verbundenen moneyed Lifestyle. Für die nächsten sieben Minuten greifen die O’Jays diese Stimmung auf, indem sie den bösen Einfluss der finanziellen Gier anprangern („Die Leute werden von ihrer Mutter stehlen / die Leute werden ihren eigenen Bruder ausrauben“). Während das Trio singt — manchmal wie Prediger, die ein Thema riffen – lassen die Produzenten Kenny Gamble und Leon Huff den Groove in sieben sumpfigen Minuten nie nachlassen: Sie können gleichzeitig tanzen und den Kapitalismus anprangern.
Bill Withers, „Another Day to Run“ (1972)
Knorriger und musikalisch komplexer als seine Edelsteine „Lean on Me“ und „Ain’t No Sunshine“, stellt dieser Withers Deep Track die Müdigkeit in seiner Stimme in einen völlig neuen, rasselnderen Kontext. Als er ein Porträt einer verwüsteten Gesellschaft malt („Hübsche Damen stehen in der Schlange und warten auf Inspektion / Zerlumpte alte Männer, die Wein trinken und versuchen, Ablehnung zu ertränken“), wird Withers mit jedem Vers empörter und angespannter. Sogar die Wah-Wah-Gitarren (so wichtig für dieses Genre wie Mandoline für Bluegrass) klingen im Laufe des Songs immer instabiler. „Another Day to Run“ mag schleichend sein, aber es findet nichts, nicht einmal Hoffnung, auf die man sich stützen kann.
Billy Paul, „Bin ich schwarz genug für dich“ (1972)
Pauls wegweisender Hit war sein erster Song „Me and Mrs. Jones“, ein elegantes Stück Supper-Club-Seele, das so verführerisch war wie sein Erzähler. Aber das Lied bereitete niemanden auf sein treibenderes und durchsetzungsfähigeres Follow-up vor. „Am I Black Enough for You“ war laut und stolz, mit einer positiven und proaktiven Botschaft, die so unerbittlich war wie Gambles und Huffs Storming-the-Gates-Produktion. Der Groove erinnert an Stevie Wonders „Superstition“ — geht aber auch eigene Wege.
Gladys Knight and the Pips, „This Child Needs Its Father“ (1973)
Knight machte ihren Ruf mit einer Reihe von ergreifenden, oft traurigen Singles — „Midnight Train to Georgia“, „Neither One of Us (Wants to Be the First to Say Goodbye)“ — das machte das Beste aus ihrer warm körnigen Stimme. Knight klingt verwundeter und ängstlicher als normalerweise und spielt die Rolle einer alleinerziehenden Mutter, die ihren Partner um Rückkehr bittet: „Ich versuche, das Beste zu tun, was ich kann, aber ich weigere mich, dieses Baby einen anderen Mann halten zu lassen“, klagt sie. Das Lied griff den Aufstieg von Alleinerziehenden in den siebziger Jahren auf, Eine Zahl, die sich bis Anfang der achtziger Jahre verdoppeln würde.
Ohio Players, „What’s Going On“ (1974)
Als Zeichen dafür, wie tief Gayes Song direkt nach seiner Veröffentlichung den Pop beeinflusste, haben die Ohio Players — normalerweise lasziven Funk—Hits wie „Fire“ und „Love Rollercoaster“ überlassen – ein Jahr nach Gayes eigenem ein warmes, ehrfürchtiges Cover des Songs herausgebracht. Wenn sich Gayes Version persönlich und intim anfühlte, verwandelte die Wiedergabe der Ohio Players den Song in eine mehrstimmige Erklärung des Gemeinschaftsgeistes und auch schwerer im Backbeat. Ihr „What’s Going On“ war eine Hommage an Gaye und an die heilende Kraft der Musik, besonders zu dieser Zeit.
Nina Simone, „The Pusher“ (1974)
Classic-Rock-Köpfe kennen dieses Lied, geschrieben von Songwriter und Schauspieler Hoyt Axton (Gremlins), aus seiner Version von Steppenwolf, die während der Eröffnungsszene in Easy Rider spielte. Simone verlangsamte es zu einem wütenden Köcheln und spuckte die Worte aus, was die Entfernung eines Lieferanten für harte Drogen noch vernichtender machte. Simone interpretierte in dieser Zeit eine Reihe von Pop- und Rock-Melodien, von den Beatles und Dylan bis zu den Bee Gees, Aber nur wenige waren so gerecht und empört wie dieser, besonders der Moment, in dem sie jammert, „Der Drücker ist ein Monsta!“
Diana Ross, „Strange Fruit“ (1972)
In ihrer ersten Hauptrolle, als Billie Holiday in Lady Sings the Blues, hat sich Ross als Schauspielerin und Interpretin von Holidays Jazz-zentriertem Material gut bewährt. Als der Film veröffentlicht wurde, begannen die Leute, „Strange Fruit“ zu vergessen, das schrille Lied über ein Lynchen im Süden, das Holiday Ende der dreißiger Jahre zu einem neuen amerikanischen Klassiker gemacht hatte. Ross ‚Cover stellt das unheimlich stille Arrangement der Originalaufnahme wieder her, und Ross drängt sich außerhalb ihrer Komfortzone, indem sie Holidays stürzende Phrasierung in Angriff nimmt.
Sly and the Family Stone, „Babies Makin‘ Babies“ (1973)
Mehr ein Jam als eine erweiterte sozioökonomische Abhandlung über ungewollte Teenagerschwangerschaften, dieser Track von Fresh, Sly’s letztem großartigen Album, findet ihn meistens lyrisch auf der Titelphrase. Aber es ist immer noch ein Genuss zu hören, wie Sly und seine Band — zu der immer noch sein Bruder Freddie an der Gitarre, Schwester Rose an den Keyboards und Trompeterin Cynthia Robinson gehörten — vampieren, und das unbehagliche Gefühl des Songs spiegelt die Stimmung der Zeit wider.
The Spinners, „Ghetto Child“ (1973)
Diese Pop-Soul-Meister aus Michigan waren im Allgemeinen nicht für sozial bewusste Songs bekannt, aber sie machten eine Ausnahme mit dieser Geschichte eines jugendlichen Ausreißers, der eine Stadt „voller Engstirnigkeit und Hass“ verlässt, aber nie ganz ein neues Zuhause findet. Produzent Thom Bell, ein Kingpin des Philly Soul Sounds, arbeitet seinen üblichen höflichen Bounce hinter ihnen auf. So turbulent seine Geschichte auch sein mag, der Song — und die Co-Leadsänger Philippé Wynne und Henry Fambrough — gleiten mühelos über turbulente Gewässer.
