Dadaísmo: 10 Obras de Arte Icónicas Del Movimiento Dadá
El dadaísmo fue un movimiento artístico y cultural de vanguardia impulsado por el clima social europeo después de la Primera Guerra Mundial. Fue un rechazo del capitalismo moderno, la cultura burguesa y la política en tiempos de guerra que se alinearon con otros grupos radicales de extrema izquierda. Esto se expresó a través del uso de materiales artísticos no tradicionales, sátira y contenido sin sentido. Incluso el nombre del movimiento, ‘dada’, estaba destinado a ser una palabra sin significado. A continuación se muestran 10 obras de arte icónicas que caracterizan este movimiento artístico de posguerra.
Marcel Duchamp, Fuente (1917)
Marcel Duchamp fue uno de los artistas más prolíficos del dadaísmo, produciendo numerosas pinturas, collages y esculturas infames. También está asociado con el cubismo, el futurismo y el arte conceptual temprano. Ha tenido una influencia monumental en el arte modernista del siglo XX y específicamente en la escultura. Su trabajo alcanzó la madurez después de la Primera Guerra Mundial, cuando comenzó a usar el arte como herramienta de protesta cultural.
Fuente es una de las piezas de arte más icónicas del siglo XX, que representa un cambio importante en la función del arte en la sociedad. Mientras que la pieza original de 1917 no sobrevive hoy en día, Tate creó una réplica de loza de barro en 1964. Es uno de los primeros ejemplos de esculturas ‘lowbrow’ o ‘readymade’, que están hechas de objetos encontrados. Duchamp presentó la escultura al Salón de París, pero fue rechazada porque no se consideraba arte.
Marcel Duchamp, L. H. O. O. Q. (1919)
L. H. O. O. Q. es otro ejemplo famoso de un ‘ready made’ escultura de Marcel Duchamp. Fue creado a partir de una postal barata de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci (1503-06) en la que Duchamp dibujó un bigote encerado y una perilla. La pieza presenta elementos de sátira, rechazando la estética del «alto arte». El título de la pieza también es satírico, ya que L. H. O. O. Q. cuando se dice en francés suena como ‘Elle a chaud au cul’, traduciéndose a ‘she’s hot in the butt’ y connotando una sexualidad subyacente a la pieza.
Kurt Schwitters, Construcción para Damas Nobles (1919)
Kurt Schwitters fue un artista alemán que experimentó con varios medios diferentes, incluyendo pintura, escultura, diseño gráfico, arte de instalación y poesía. Su trabajo se asoció con el Surrealismo, el Cubismo y el Constructivismo, así como con el dadaísmo. También fue conocido por aplicar el término Merz a su trabajo, un término que inventó que era sinónimo de Dada como una forma de protesta cultural.
La construcción para Damas Nobles es un ejemplo del uso de Schwitters de la abstracción en collage y escultura. Esta pieza de ensamblaje también ejemplifica el estilo de escultura de «objeto encontrado», ya que está construida con una variedad de materiales rotos e inconexos: un embudo, un tren de juguete de metal, ruedas rotas y otros objetos de desecho. También incluye un retrato horizontal de una dama noble, del que la pieza obtiene su título. El montaje de la obra es áspero, y la pintura tiene un acabado rugoso, lo que se suma a su desviación de las expectativas artísticas anteriores. Sin embargo, toda la pieza tiene una elegante asimetría, lo que demuestra que incluso los objetos de desecho pueden crear una obra maestra.
Raoul Hausmann, El Crítico de Arte (1919-20)
Raoul Hausmann fue un destacado artista Austriaco y líder del movimiento Dadá en Berlín. Hausmann también fue un artista expresionista. Después de familiarizarse con el movimiento dadaísmo, conoció a otros artistas como John Heartfield y George Grosz. Durante este tiempo, se centró principalmente en la poesía y el collage fotográfico, lo que tendría un profundo efecto en la vanguardia europea de posguerra. Su poesía era conocida por ser especialmente provocativa y su obra de arte muy satírica. También fue amante de la también dadaísta Hannah Höch.
El Crítico de arte es la ardiente crítica de Hausmann a la superficialidad del mundo del arte. La pieza es un collage fotográfico compuesto por una serie de fotografías de revistas y periódicos e incluye algunos elementos dibujados. La obra se considera «de poca monta», ya que utiliza materiales e iconografía que se ven en la cultura popular. Connota que, al igual que la construcción de un collage, los críticos de arte poseen un conocimiento improvisado de hechos vacíos y no entienden realmente el significado del arte.
Hannah Höch, Cortada con el Cuchillo de Cocina Dada A través de la Última Época Cultural de Barriga de Cerveza de Weimar de Alemania (1919-20)
Hannah Höch fue una artista alemana y miembro del movimiento dadaísmo. Fue pionera en la técnica del fotomontaje o collage de fotos utilizando imágenes de medios populares. Estaba interesada en el feminismo, el género y la androginia en el arte, y especialmente en la disolución de la dicotomía de la «Nueva Mujer». También exploró el clima político durante la República de Weimar en su trabajo.
Cortar con el cuchillo de cocina representa la yuxtaposición entre el dadaísmo y la cultura dominante durante el tiempo. Agrupados en una parte del collage de fotos están miembros de grupos políticos dominantes como el gobierno de Weimar y el ejército. En marcado contraste, el otro lado de la pieza presenta comunistas, artistas y otros radicales. Höch también incluyó un pequeño mapa que muestra los países de Europa que permitían a las mujeres votar. La pieza demuestra la rebelión de los dadaístas y otros grupos radicales durante una época de estricta conformidad política y cultural.
Raoul Hausmann, La Cabeza Mecánica (1920)
La cabeza mecánica es la obra más famosa de Raoul Hausmann. Fue elaborado a partir de un maniquí de peluca de peluquería, una regla, un reloj de bolsillo, una billetera, piezas de una cámara y otros artículos encontrados. Se cree que la pieza es un comentario sobre cómo la humanidad interactúa con los objetos y el mundo circundante. El rostro está completamente desprovisto de expresión, a diferencia de los rostros expresivos de las obras maestras culturales europeas. En cambio, su carácter se explica por los objetos externos adjuntos a él. Por lo tanto, la escultura cuestiona todas las representaciones precedentes de intelectualismo y profundidad, mostrando al sujeto solo en lo que se refiere al mundo superficial y material que lo rodea.
Jean Arp, Camisa de Frente y Tenedor (1922)
Jean Arp, también conocido como Hans Arp, fue un alemán-francés pintor, escultor y poeta. Fue miembro fundador del movimiento dadaísta. Después de mudarse a Zúrich, conoció a sus compañeros artistas Hugo Ball y Sophie Taeuber, que se convertirían en la esposa de Arp. El trío colaboró para crear un manifiesto dadaísta. El trabajo de Arp era conocido por la exploración del inconsciente, sus elementos de sátira y la abstracción de formas orgánicas.
El frente y el tenedor de la camisa forman parte de una serie de esculturas en relieve de madera pintadas que Arp creó en la década de 1920. La obra tiene un elemento gráfico monocromo, con formas suaves y orgánicas y una composición simplista. El tenedor de la derecha es fácilmente identificable, mientras que la forma de la izquierda representa la parte delantera de una camisa, pero también se asemeja a un diente grande o un rostro humano. La pieza representa el cambio estilístico de Arp entre períodos; las formas abstractas de su trabajo anterior chocan con su uso posterior de la asociación de objetos para profundizar en la mente inconsciente.
Francis Picabia, Optófono I (1922)
Francis Picabia fue un pintor y poeta francés que se asoció con el Impresionismo, el Cubismo, el Puntillismo y el Dadaísmo. También experimentó con la edición y el cine, y su carrera de casi 50 años se puede caracterizar por una serie ecléctica de cambios estilísticos y de medios. Sus obras más famosas eran pinturas con bloques de colores, formas geométricas y abstracciones, aunque también era conocido por collage de materiales poco ortodoxos.
Optophone I es un ejemplo de las obras ‘maquinistas’ de Picabia, que se inspiraron en equipos industriales de principios del siglo XX y comentan la aceleración de la tecnología durante el tiempo. La pieza simula los efectos de un optófono, un dispositivo que utiliza la sonificación para escanear textos e imágenes para ayudar a los ciegos a identificar letras en una página. El centro de la pintura sostiene a una mujer desnuda sentada de estilo clásico como si hubiera sido vista a través del uso de un optófono. La pieza cuestiona así cómo la humanidad encuentra e interpreta el arte.
Man Ray, Rayograph (1922)
Man Ray fue un fotógrafo Estadounidense y artista visual que trabajó principalmente en París. Fue un miembro importante tanto del dadaísmo como del surrealismo, produciendo numerosas obras que siguen siendo fácilmente reconocibles hoy en día. Era conocido por sus retratos abstractos de mujeres y su uso de sombras y luz negativa para crear piezas con un elemento onírico. También fotografió a una gran cantidad de artistas famosos durante su vida, proporcionando una visión pictórica de sus vidas.
Rayograph es uno de una serie de fotogramas de Ray, a los que Tristan Tzara llamó rayógrafos en honor al artista. Estas piezas se hicieron con papel fotográfico, sobre el que Ray colocó una serie de objetos y luego los expuso a la luz. El papel se oscurecía entonces donde no se colocaba un objeto, creando el efecto de una sombra de luz negativa. Estas piezas ejemplificaban la noción de Dada, ya que a menudo representaban objetos mundanos o aleatorios que no parecían estar conectados. Los productos de este método también eran a menudo inconsistentes, ya que requerían múltiples sesiones de exposición a la luz y, por lo tanto, estaban al tanto de las condiciones externas.
Max Ernst, Ubu Imperator (1923)
Max Ernst fue un pintor, poeta, escultor y artista gráfico alemán y uno de los primeros miembros de los movimientos dadaísmo y surrealismo. Fue extremadamente experimental con su trabajo, combinando diferentes medios con una técnica abstracta e ilusionista. También utilizó un método llamado frottage, o’ frotar’, en el que el artista coloca papel sobre una superficie irregular y luego frota el lápiz sobre él para crear un contorno estampado de la superficie.
Ubu Imperator representa el cambio estilístico de Ernst entre el dadaísmo y el surrealismo, representando una tapa antropomórfica giratoria con rasgos incongruentes. El tema retrata al padre Ubu, un símbolo de autoridad y codicia visto en una serie de obras de Alfred Jerry que dilucidan las injusticias de la complacencia bajo la sociedad empírica burguesa. El paisaje es un desierto surrealista característico con un vasto horizonte, mientras que la parte superior presenta las nociones parodias y antisistema del dadaísmo.