Dadaizm: 10 ikonicznych dzieł z ruchu Dada Art

Dadaizm był awangardowym ruchem artystycznym i kulturalnym, wywołanym europejskim klimatem społecznym po I wojnie światowej. Było to odrzucenie nowoczesnego kapitalizmu, kultury burżuazyjnej i Polityki wojennej, która dostosowała się do innych radykalnych grup skrajnie lewicowych. Wyrażało się to poprzez użycie nietradycyjnych materiałów artystycznych, satyry i bezsensownych treści. Nawet nazwa ruchu, „dada”, miała być słowem bez znaczenia. Poniżej znajduje się 10 ikonicznych dzieł, które charakteryzują ten powojenny ruch artystyczny.

Fontanna Marcela Duchampa (1917)

Marcel Duchamp był jednym z najbardziej płodnych artystów dadaizmu, tworząc liczne niesławne obrazy, kolaże i rzeźby. Związany jest również z kubizmem, futuryzmem i wczesną sztuką konceptualną. Wywarł monumentalny wpływ na XX-wieczną sztukę modernistyczną, a w szczególności rzeźbę. Jego twórczość osiągnęła dojrzałość po I Wojnie Światowej, kiedy zaczął używać sztuki jako narzędzia protestu kulturalnego.

Fontanna jest jednym z najbardziej ikonicznych dzieł sztuki XX wieku, reprezentującym znaczną zmianę funkcji sztuki w społeczeństwie. Chociaż oryginał z 1917 roku nie przetrwał do dziś, Tate stworzył replikę z ceramiki w 1964 roku. Jest to jeden z najwcześniejszych przykładów rzeźb „lowbrow” lub „readymade”, które są wykonane z znalezionych przedmiotów. Duchamp zgłosił rzeźbę do paryskiego salonu, ale została odrzucona, ponieważ nie była uważana za sztukę.

Marcel Duchamp, L. H. O. O. Q. (1919)

L. H. O. O. Q. to kolejny słynny przykład „gotowej” rzeźby Marcela Duchampa. Powstała z niedrogiej pocztówki Mona Lisa Leonarda da Vinci (1503-06), na którą Duchamp narysował woskowane wąsy i bródkę. Utwór zawiera elementy satyry, odrzucające estetykę „sztuki wysokiej”. Tytuł utworu jest również satyryczny, ponieważ L. H. O. O. Q. kiedy wypowiedziane po francusku brzmi jak „Elle a chaud au cul”, tłumacząc się na ” she 's hot in the butt” i nawiązując do utworu seksualność.

Kurt Schwitters, Budownictwo dla szlachetnych pań (1919)

Kurt Schwitters był niemieckim artystą, który eksperymentował z wieloma różnymi mediami, w tym malarstwem, rzeźbą, grafiką, sztuką instalacji i poezją. Jego twórczość wiązała się z surrealizmem, kubizmem i konstruktywizmem, a także dadaizmem. Był również znany z zastosowania terminu Merz do swojej pracy, terminu, który wymyślił, który był synonimem Dada jako formy protestu kulturalnego.

konstrukcja dla szlachetnych dam jest przykładem wykorzystania abstrakcji przez Schwittersa w kolażu i rzeźbie. Ten asamblaż jest również przykładem stylu rzeźby „znalezionych przedmiotów”, ponieważ jest zbudowany z różnych zepsutych i nie połączonych materiałów: lejka, metalowego pociągu zabawkowego, połamanych kół i innych przedmiotów ze złomu. Zawiera również poziomy portret szlachetnej damy, od którego utwór otrzymuje swój tytuł. Montaż dzieła jest szorstki, a obraz ma surowe wykończenie, dodatkowo zwiększając jego odrywanie od wcześniejszych oczekiwań artystycznych. Całość ma jednak elegancką asymetrię, pokazującą, że nawet złom może stworzyć arcydzieło.

Raoul Hausmann, krytyk sztuki (1919-20)

Raoul Hausmann był wybitnym austriackim artystą i liderem ruchu Dada w Berlinie. Hausmann był również artystą ekspresjonistycznym. Po zapoznaniu się z ruchem dadaizmu poznał innych artystów, m.in. Johna Heartfielda i George ’ a grosza. W tym czasie skupił się głównie na poezji i fotograficznym kolażu, który wywarłby głęboki wpływ na powojenną Europejską awangardę. Jego poezja była szczególnie prowokacyjna, a jego twórczość bardzo satyryczna. Był także kochankiem dadaisty Hanny Höch.

krytyk sztuki to żarliwa krytyka powierzchowności świata sztuki Hausmanna. Utwór jest kolażem fotograficznym składającym się z serii fotografii z czasopism i gazet i zawiera kilka narysowanych elementów. Dzieło uważane jest za „lowbrow”, ponieważ wykorzystuje materiały i ikonografię widzianą w kulturze popularnej. Oznacza to, że podobnie jak konstrukcja kolażu, krytycy sztuki posiadają kompletną wiedzę o próżnych faktach i nie do końca rozumieją znaczenie sztuki.

Hannah Höch, przecięta nożem kuchennym Dada przez ostatnią Weimarską epokę kulturową piwa-brzucha w Niemczech (1919-20)

Hannah Höch była niemiecką artystką i członkinią ruchu dadaizmu. Była pionierką techniki fotomontażu lub kolażu z wykorzystaniem obrazów z popularnych mediów. Interesowała się feminizmem, gender i androgynią w sztuce, a zwłaszcza rozwiązaniem dychotomii „nowej kobiety”. W swoich pracach badała również klimat polityczny Republiki Weimarskiej.

cięcie nożem kuchennym reprezentuje zestawienie między dadaizmem a kulturą głównego nurtu w tym czasie. W jednej części kolażu fotograficznego zgromadzeni są członkowie dominujących grup politycznych, takich jak rząd Weimarski i armia. W przeciwieństwie do tego, po drugiej stronie dzieła pojawiają się komuniści, artyści i inni radykałowie. Höch zawierał również małą mapę, która pokazuje kraje w Europie, które pozwoliły kobietom głosować. Utwór ukazuje bunt dadaistów i innych radykalnych grup w okresie ścisłej politycznej i kulturowej konformizacji.

Raoul Hausmann, the Mechanical Head (1920)

mechaniczna głowica jest najbardziej znanym dziełem Raoula Hausmanna. Została wykonana z manekina peruki fryzjera, linijki, zegarka kieszonkowego, portfela, elementów z aparatu i innych znalezionych przedmiotów. Praca ma być komentarzem na temat interakcji ludzkości z przedmiotami i otaczającym światem. Twarz jest całkowicie pozbawiona ekspresji, w przeciwieństwie do wyrazistych twarzy europejskich arcydzieł Kultury. Zamiast tego, jego charakter jest wyjaśniony przez zewnętrzne obiekty do niego dołączone. Rzeźba kwestionuje zatem wszelkie precedensowe wyobrażenia intelektualizmu i głębi, ukazując temat tylko w odniesieniu do otaczającego go powierzchownego, materialnego świata.

Jean Arp, przód koszuli i widelec (1922)

Jean Arp, znany również jako Hans Arp, był niemiecko-francuskim malarzem, rzeźbiarzem i poetą. Był członkiem założycielem ruchu Dadaistycznego. Po przeprowadzce do Zurychu poznał innych artystów Hugo Balla i Sophie Taeuber, która została żoną Arpa. Następnie trio współpracowało przy tworzeniu manifestu Dadaistycznego. Twórczość Arpa znana była z eksploracji nieświadomości, jej elementów satyry i abstrakcji form organicznych.

przód koszuli i widelec jest częścią serii malowanych rzeźb reliefowych wykonanych przez Arp w latach 20. XX wieku.praca ma monochromatyczny element graficzny, z miękkimi, organicznymi formami i uproszczoną kompozycją. Widelec po prawej stronie jest łatwo rozpoznawalny, podczas gdy forma po lewej reprezentuje przód koszuli, ale także przypomina duży ząb lub ludzką twarz. Utwór reprezentuje stylistyczne przesunięcie Arpa między epokami; abstrakcyjne formy z jego wcześniejszych prac zderzają się z jego późniejszym użyciem asocjacji obiektowej, aby zagłębić się w nieświadomy umysł.

Francis Picabia, Optophone I (1922)

Francis Picabia był francuskim malarzem i poetą, który był związany z impresjonizmem, kubizmem i pointylizmem oraz dadaizmem. Eksperymentował również z wydawnictwem i filmem, a jego prawie 50-letnią karierę można scharakteryzować eklektycznymi zmianami stylistycznymi i medialnymi. Jego najbardziej znane prace to obrazy z kolorowymi blokami, geometrycznymi kształtami i abstrakcjami, choć znany był również z niekonwencjonalnego materialnego kolażu.

Optophone I jest przykładem prac Picabii „machinist”, które były inspirowane urządzeniami przemysłowymi z początku XX wieku i komentują przyspieszenie technologii w tym czasie. Utwór symuluje działanie optofonu, urządzenia, które wykorzystuje sonifikację do skanowania tekstów i obrazów, aby pomóc niewidomym zidentyfikować litery na stronie. W centrum obrazu znajduje się klasyczna, siedząca naga kobieta, jakby była widziana za pomocą optofonu. W ten sposób powstaje pytanie o to, w jaki sposób ludzkość spotyka się ze sztuką i interpretuje ją.

Man Ray, Rayograph (1922)

Man Ray był amerykańskim fotografem i artystą wizualnym, który pracował głównie w Paryżu. Był znaczącym członkiem zarówno dadaizmu, jak i surrealizmu, tworząc liczne dzieła, które pozostają łatwo rozpoznawalne do dziś. Był znany ze swoich abstrakcyjnych portretów kobiet i wykorzystania cieni i negatywnego światła do tworzenia dzieł o zjawiskowym dla nich elemencie. Fotografował również mnóstwo znanych artystów podczas swojego życia, zapewniając obrazowy wgląd w ich życie.

Rayograph jest jedną z serii fotogramów Raya, którą Tristan Tzara nazwał rayographs po artyście. Prace te zostały wykonane przy użyciu papieru fotograficznego, na którym Ray umieścił szereg obiektów, a następnie wystawił je na działanie światła. Papier ciemniał wtedy, gdy obiekt nie był umieszczony, tworząc efekt negatywnego światła cienia. Prace te były przykładem pojęcia Dada, ponieważ często przedstawiały przyziemne lub przypadkowe przedmioty, które nie wydawały się ze sobą powiązane. Produkty tej metody były również często niespójne, ponieważ wymagały wielu sesji ekspozycji na światło, a tym samym były wtajemniczone w warunki zewnętrzne.

Max Ernst, Imperator Ubu (1923)

Max Ernst był niemieckim malarzem, poetą, rzeźbiarzem i grafikiem oraz wczesnym członkiem ruchów dadaizmu i surrealizmu. W swojej twórczości był niezwykle eksperymentalny, łącząc różne media z abstrakcyjną, iluzjonistyczną techniką. Zastosował również metodę zwaną frottage, czyli „pocieranie”, w której artysta kładzie papier na nierównej powierzchni, a następnie ociera o nią ołówek, tworząc wzorzysty zarys powierzchni.

Ubu Imperator reprezentuje stylistyczną zmianę pomiędzy dadaizmem a surrealizmem, przedstawiając obracający się antropomorficzny szczyt o niespójnych cechach. Temat przedstawia Ojca Ubu, symbol władzy i chciwości widziany w serii sztuk Alfreda Jerry ’ ego, które wyjaśniają niesprawiedliwość samozadowolenia w burżuazyjnym społeczeństwie empirycznym. Krajobraz jest charakterystyczną surrealistyczną pustynią z rozległym horyzontem, a na szczycie znajdują się parodiujące i antyestablishmentowe pojęcia dadaizmu.